martes, 26 de septiembre de 2017

RE:Revueltas: Troka


En los primeros años de 1930 la chispa del estridentismo estaba en su punto de mayor ebullición y éste ya no era -como en sus inicios- solo un movimiento literario de vanguardia, su influencia había llegado a manifestarse en otras disciplinas, especialmente en las artes visuales (Pintura y Grabado), pero en cuanto a Música se refiere, existió un único y singular caso, uno donde Germán List Arzubide y Silvestre Revueltas colaborarían para un programa radiofónico auspiciado por la XFX (actual Radio Educación) el cual daría Luz y Vida al poderoso Troka, un gigantesco robot que enseñaba a los niños los ventajas y desventajas de la tecnología en un mundo moderno e industrializado, pero antes de continuar, me es debido darles una muy breve crónica de la Radio en México.

Hace 100 años, en plena Revolución, el gobierno de Venustiano Carranza instaló en el Castillo de Chapultepec la primera planta de alta potencia (200,000 watts) que había sido donada por, nada más y nada menos, que el mismísimo Káiser Guillermo II de Alemania, esto debido a que en México durante el conflicto revolucionario se habían destruido la casi totalidad de las vías telegráficas, dejando al país prácticamente incomunicado con el exterior, el manejo de esta Antena fue muy discreto (algunos historiadores afirmarían que nunca se usó), principalmente por que el gobierno de los Estados Unidos presionó (hasta los cojónes!!) para que fuera desmantelada (naturalmente, aún eran tiempos de la Gran Guerra y esta táctica alemana ponía de nervios a los gringos), años después, la década de los 20's marcaría el inicio de la radiodifusión en México, del 27 septiembre de 1921 a mediados de enero de 1922 los hermanos Adolfo y Pedro Gómez Fernández transmitieron el primer programa musical que pudo ser escuchado en la Ciudad de México. En julio de 1922 nació la estación JH, oficialmente la primera del país y propiedad de la Secretaría de Guerra y Marina, y al año siguiente, la estación CYL, propiedad del periódico "El Universal Ilustrado" (cuya primera emisión se realizó el 8 de de mayo de 1923 en punto de las 20:00 hrs. presentando un recital protagonizado por Manuel M. Ponce a la vez que participaron el guitarrista español Andrés Segovia, el pianista Manuel Barajas y la cantante Celia Montalbán, además de una lectura de poemas realizada por Manuel Maples Arces). Llegado 1924 se fundó la estación XFX por iniciativa de José Vasconcelos en sus funciones como secretario de educación pública (su primera transmisión fue el 1° de diciembre de aquel año en la toma de protesta de Plutarco Elías Calles como presidente de la república) y por último, el 18 de septiembre de 1930 se registraría la primera transmisión de la nefastisima XEW (conocida hoy como "W Radio" con ello la dinastía Azcarraga y su mundo de farándula crearían los cimientos de Televisa, que asco!!), dicho todo esto, regresemos al tema anterior.

Troka es el espíritu de las máquinas y la perfección de la inteligencia humana, un poderío que se puede apreciar en todo su cuerpo, su cabeza es una antena de radio, sus ojos dos enormes focos, su boca una bocina, su torso y sus piernas unas placas de metal unidas por gigantescos tornillos, su corazón una pieza de engrane, su brazo derecho es una pala mecánica mientras que el izquierdo es una grúa de poleas, su pie izquierdo un tractor y el derecho una locomotora (Sí Señor! como me encantan los Trenes!) y si aún esto no bastara, lleva a sus espaldas unas alas de avión. Este fabuloso personaje fue inventado por el poeta estridentista Germán List Arzubide en 1932 al escribir una serie que tituló Troka, el Poderoso: Cuentos de vanguardia para niños modernos, mismos que el propio List Arzubide relataba al aire en su programa de radio los días martes, viernes y domingos del bimestre mayo-junio de 1933 y transmitido por la estación XFX, previo a esto, el literato se puso en contacto con Silvestre Revueltas para el encargo de una música incidental para su espacio en la radio, sobra decir que el compositor harto se entusiasmó con la idea escribiendo velozmente dos pequeños movimientos (Introducción y Marcha) para tal propósito. No obstante, Revueltas creía firmemente que los cuentos de Troka tenían un potencial mayor y por ello propuso a List Arzubide la creación de un ballet-pantomima para títeres que, desafortunadamente, no se llevó acabo, sin embargo Revueltas revisó su partitura y añadió tres números más (Danza de Troka, Ronda infantil y Danza del Trabajo) a esta especie de Suite que, según el musicólogo Eduardo Contreras Soto sugiere en su libro Silvestre Revueltas: en escena y en pantalla, fue coreografiada y escenificada por Gloria Campobello y Leopoldo Méndez, respectivamente, en el transcurso de la segunda mitad de 1935.

Así que en conclusión, el valor del personaje de Troka radica en haber sido el primer programa de radio orientado hacia el público infantil de México, con ello la XFX englobaba en su sistema educativo de corte socialista una programación para maestros, estudiantes, obreros, campesinos y niños, tal cual como Vasconcelos la había diseñado una década atrás (su único "Error" fue no haber incluido en su Grandioso Proyecto Educativo a las clases indígenas del país) y además, por añadidura, sería la fuente de inspiración para la primera obra escénica (en este caso, un Ballet estéticamente modernista e infantil  al mismo tiempo) de Revueltas, en verdad toda una genialidad. Sintonicense.

Silvestre Revueltas (1899-1940)
"Colorines" Poema Sinfónico (1932)
Música para Charlar (1938, Suite de Erich Kleiber 1944)
"Caminos" Poema Sinfónico (1934-36rev.)
"Troka" Pantomima infantil bailable (1933)
"Batik" para Flauta, dos Clarinetes y [Cuarteto de] Cuerdas (1926)
"Redes" (1935, Suite de Erich Kleiber 1943)

Director: Jorge Pérez Gómez
Moravian Philharmonic Orchestra
299 MB
EAC:FLAC+Cue+Log & Covers


Un aporte más de mi Tío Francisco, gracias!!

domingo, 24 de septiembre de 2017

RE:Chávez: Sinfonías Completas


Me resulta toda una ironía que habiendo sido Carlos Chávez uno de los músicos mexicanos más representativos de su contexto mundial y que además siendo una figura esencial para la comprensión del modernismo en el arte latinoamericano, percibo tras una atenta y escrupulosa escucha que todas sus Sinfonías suenan tan neoclásicas y europeas (por supuesto con un toque personal) para alguien que pugnaba ser un principal representante del Panamericanismo musical continental (tendencia que fijaba en sus fundamentos no sonar a Europa), la excepción como todos bien saben, es la Sinfonía India, por antonomasia, la obra más difundida, grabada y característica de su autor, con ella incursionó en el indigenismo musical (vertiente colateral al nacionalismo) que es a mi consideración, la faceta más simple, poco convincente y definitivamente, deshonesta que pudo haber tenido Chávez en toda su carrera compositiva (realmente no tenía convicción ni atracción por la música autenticamente indígena). Dirán algunos, ¿quien diantres se cree aquel que escribe estas barbaridades?....Pues la verdad, solo soy un melómano debidamente informado y es mi deber decir lo que algunos se callan, en este caso, hacerles saber que el indigenismo de Chávez es (una ramera domesticada por el establishment) superfluo, chafa e irreal (toda la Sinfonía India es meramente Pentafonía, su imaginario indigenista es, salvo por las melodías yaquis, huicholes y seris sobre las que se basa, europeo de inicio a fin).

Pero para nada crean que mi intención es arremeter contra la respetable figura de Don Carlos Chávez, es por ello que hoy de un solo tirón, comparto con ustedes todas sus Sinfonías (enumeradas) en esta práctica y oportuna antología protagonizada por el magnifico Eduardo Mata al frente de la intachable Orquesta Sinfónica de Londres, excelsos registros para oídos críticos (como los míos y los de ustedes).

Carlos Chávez (1899-1978)
Sinfonía No. 1 "Antígona" (1932/33)
Sinfonía No. 2 "India" (1935/36)
Sinfonía No. 3 (1951/54)
Sinfonía No. 4 "Romántica" (1953)
Sinfonía No. 5 para Orquesta de Cuerdas (1953)
Sinfonía No. 6 (1961/62)

Director: Eduardo Mata
London Symphony Orchestra
561 MB
EAC:FLAC+Cue+Log & Covers


Muchas gracias a Beto por este aporte. Por cierto, si se preguntaran ¿que indigenismo puede considerarse honesto? La respuesta es Candelario Huízar.

viernes, 22 de septiembre de 2017

RE:Villa-Lobos: Piano Concertos


Voluntad de poder e Impulso creador fijan la convicción de un auténtico artista, al tratarse de un músico de la envergadura de Heitor Villa-Lobos no hay duda alguna de que su Pensamiento musical hace gala de aquellas virtudes, no por nada su nombre resalta, entre los grandes compositores de América, como uno de los más prolíficos del continente y es a su vez la personalidad musical de mayor trascendencia que haya nacido en Brasil, por si fuera poco, su influencia y prestigio ayudó (junto a otras figuras antecesoras y coetáneas de la escena artística local) a que diversos estilos como la Samba, el Chôro o el Lundú se dignificaran, tanto en su manifestación musical como dancística, en expresiones de identidad nacional en tiempos donde la segregación racial y la desigualdad social eran una realidad en todos los ámbitos de la vida cultural brasileña.

Muchas, o quizás la mayoría, de las obras escritas por Villa-Lobos son de carácter programático, de inspiración deliberada en el folklór o sobre la música popular urbana, especialmente de Rio de Janeiro (sitio donde nació y murió), en menor numero, pero no por ello menos interesantes, se encuentran obras que se distancian de las tendencias anteriormente mencionadas y que escolásticamente se denominan como música pura, dentro de esta inclinación se hayan los Cinco Conciertos para Piano (todos ellos en cuatro movimientos, estructuralmente parecen más Sinfonías con Piano) que fueron compuestos en la última fase creadora de su autor. En mi sano juicio, considero el Concierto No. 2 (por su ingeniosa orquestación y su claridad melódica) y el Concierto No. 5 (por su concentrado lenguaje intrapersonal además de ser el más perfilado en la corriente del neoclasicismo universal) como los mejor logrados. Ich lebe noch, Ja!!

Heitor Villa-Lobos (1887-1959)
Concierto para Piano y Orquesta No. 1 (1945)
Concierto para Piano y Orquesta No. 2 (1948)
Concierto para Piano y Orquesta No. 3 (1952/57)
Concierto para Piano y Orquesta No. 4 (1952)
Concierto para Piano y Orquesta No. 5 (1954)

Piano: Cristina Ortiz
Director: Miguel Gómez-Martínez
Royal Philharmonic Orchestra
573 MB
EAC:FLAC+Cue+Log & Covers

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jueves, 14 de septiembre de 2017

Guatemala Vol. 2: Ricardo Castillo


América Latina es la tierra del Realismo Mágico (lo digo en su sentido más literal, si vivieran en la Ciudad de México seguro entenderían el surrealismo) y una prueba elocuente de aquella afirmación son las antiguas leyendas de los Quichés de Guatemala, quienes de entre todos los pueblos amerindios del continente, fueron los únicos que nos legaron un documento de trascendencia histórica y que deja entrever su compleja a la vez que fascinante visión del universo, Popol Vuh, el libro del consejo, es una lectura que nos revela el Mito de la Creación, una serie de sucesos extraordinarios donde las deidades mayas y las fuerzas sobrenaturales de dimensiones inexistentes consolidan el nacimiento del hombre y moldean el Mundo en el que vivimos junto al Sol, la Luna y las Estrellas, todos los relatos son fantásticos, pero hay uno en especial del cual quisiera hablaros y es uno que narra las andanzas de La Doncella Ixquic, así que hay les va el cuento

Los amos del bajo mundo de Xibalbá, molestos y celosos de que el dios de la fertilidad e hijo del cielo Hun-Hunahpú ha creado para sus iguales y descendientes "el juego de pelota", han determinado asesinarlo como muestra de su desdén, para ello deciden invitar a él y a su hermano Vucub-Hunahpú a los aposentos del reino para una ofrenda en su honor, pero la perfidia no permanecería oculta por mucho rato, ambos serian torturados e inmolados hasta causarles la muerte, de sus restos crecería un árbol de jícaras que en lugar de dar frutos daría cráneos y del cual yacería entre su enramada la cabeza de Hun-Hunahpú, así pasarían la noche de los tiempos hasta que esta historia llegó a los oídos de Ixquic, hija de Cuchumaquic y señor de Xibalbá, quien tras haber escuchado de viva voz de su padre la leyenda del dios caído, queda maravillada y va en busca de la cabeza, para su sorpresa, aún yace entre las ramas el inanimado cráneo y a la vez se siente tentada a tomarla, pero justo antes de tocarla, la cabeza le habla preguntándole si por ventura desea hacerse con el fruto del árbol, ella gustosamente acepta haciendo que el cráneo expulse de sus entrañas una saliva que cae en la palma de su mano, después de ello la cabeza se desvanece pero el ultimo atisbo del espíritu de Hun-Hunahpú le declara que ahora ella, Ixquic es la portadora de su descendencia, pues en su vientre virgen se engendrarán los héroes que traerán consigo el despertar de la humanidad, llamados Hunahpú e Ixbalanqué, los dioses gemelos, pero en cuanto a ellos, ya es otro cuento.

Todo lo anterior es porque el álbum de hoy que se centra en la música de Ricardo Castillo (posiblemente el compositor que más se inspiró en la mitología maya para escribir sus obras) contiene un poema sinfónico titulado La Doncella Ixquic, que más allá de seguir linealmente el argumento anterior (la obra inicia con un ambiente de Erase una vez), esta obra pareciese que retratara la pasión de lo eterno femenino adherente en todo ser vivo creado. Por otro lado, las demás obras son igualmente interesantes, especialmente el poema coreográfico Paál Kabá (del cual por más que busqué, no logré dar con su argumento) que musicalmente goza de independencia y originalidad, este ballet maya se estrenó (sin montaje escénico) el 14 de septiembre de 1956 por la Orquesta Sinfónica Nacional de Guatemala bajo la batuta del destacado director y violinista Andrés Archila (concertino de la National Symphony Orchestra of Washington DC de 1959/84).

Ricardo Castillo (1894-1966)
"Paál Kabá" Ballet (1951)
"Estelas de Tikal" Fantasía Sinfónica (1945)
Música Incidental para el drama de Carlos Girón "Quiché Achi" (1947)
"La Doncella Ixquic" Poema Sinfónico (1944)
Abstracción (1965)
"Instantáneas Plásticas" para Orquesta (1963)

Director: Antonio de Almeida
Moscow Symphony Orchestra
274 MB
EAC:FLAC+Cue+Log & Covers

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lunes, 11 de septiembre de 2017

RE:Guastavino: Obras Sinfónicas


"Compongo música porque la amo, amo la melodía, amo cantar. Y he comprobado con gusto que allá fuera hay una audiencia que está muy interesada en mi música cuando la publico. ¡Eso es fantástico! Me niego a componer música solo para ser descubierta y entendida por generaciones futuras"

Las lineas anteriores corresponden al manifiesto artístico de Carlos Guastavino, un músico que en todos sus matices adoraba la vida, un espíritu romántico que ofrendaba todo su Arte al servicio de la belleza, un compositor que sino se le encontraba escribiendo alguna nueva obra se distraía con sus libros y accesorios de Química y, de vez en vez, jugaba a ser niño, no obstante era un hombre alto de pocas palabras (irónico en alguien que escribió tantas canciones), introvertido y porte serio, uno de esos casos inusuales donde la fama y el reconocimiento llegan por cuenta propia ante el artista a su puerta, pero él, Guastavino, con su modesta personalidad ermitaña, prefiere, ya estando en sus últimos años, quedarse en el hogar dentro de su pequeño y acogedor estudio recordando mejores tiempos.

Al momento de haber dejado este mundo, Guastavino consolidó un catálogo de más de 350 obras de las cuales un mínimo aproximado de 150 son del género vocal y canciones, algunas de ellas tan célebres (como La rosa y el sauce, Se equivocó la paloma o Pueblito, mi pueblo) causaron tal furor en la sociedad argentina de los años 40's y 60's, a tal grado que nadie había (o en verdad muy pocos) en toda la Argentina a quien su nombre resultara desconocido. No por ello debemos considerar a Carlos Guastavino como un artista de corte popular, para nada, sino que fue un compositor que llegó a trabajar personalmente con figuras tan inminentes de la literatura de habla hispana como Rafael Alberti, Gabriela Mistral, Pablo Neruda, Jorge Luis Borges, entre otros, y cuya música estuvo siempre en contacto cercano a su gente, a su pueblo, a la tierra que lo vio nacer y a la identidad nacional que debía corresponder.

Guastavino desarrolló un lenguaje musical afín del romanticismo tardío a la vez que corresponde a la linea trazada por sus predecesores nacionalistas del siglo XIX, Alberto Williams, Carlos López Buchardo y Julián Aguirre. Su pensamiento estético y crítico era opositor al Grupo Renovación (1929-44) y al resto de corrientes artísticas que pugnaban por el atonalismo libre, la dodecafonía y las nuevas vanguardias en la música argentina, Guastavino fue diametralmente contemporáneo de Alberto Ginastera, quien destacaría por todas sus innovaciones modernistas, sería ideológicamente su opuesto en prácticamente todo.

Pero bueno, ya es momento de centrarnos en el álbum de hoy y eso es comentar sobre las obras sinfónicas de Carlos Guastavino, la primera de ellas son los Tres Romances Argentinos, obra emotiva, brillante y donairosa, su versión original para dos pianos fue escrita en 1946 antes de que partiera hacia Inglaterra para cursar estudios de perfeccionamiento en el Royal Academy of Music (1947-48) gracias a una beca otorgada por el Concilio Británico, en la capital inglesa daría a conocer en enero de 1949 la versión orquestal de sus Tres Romances Argentinos en un concierto ofrecido por la Orquesta Sinfónica de la BBC dirigida por Walter Goehr, por su parte, la Suite Argentina fue un encargo inesperado para la primera gira internacional del Ballet Español de Pilar López, la obra no tiene un argumento en especifico, son meramente cuatro escenas dancísticas que describen la Pampa y sus danzas folklóricas, la Suite se estrenó en el Teatro Avenida en agosto de 1952 con Pilar López y Roberto Ximénez en los papeles protagonistas, coreografía de Aurelio Molina, escenografía de Jorge Larco y Orquesta (de la propia compañía) dirigida por José María Franco (la reseña escrita por Fernando Emery para la revista Lyra enaltecía hasta las cimas este ballet nacionalista), en cuanto al Romance de Santa Fe, podemos considerarla como una elegía a la ciudad homónima donde Guastavino había nacido el 5 de abril de 1912, la obra se expresa en un sentimiento popular de alta finura con el Piano como figura principal, esta fantasía concertante tuvo dos estrenos, el primero de ellos en transmisión radiofónica el 25 de mayo de 1953 en las cabinas de Radio del Estado por su Orquesta de Cámara dirigida por Vieri Fidanzini, y el segundo de forma pública al año siguiente el 18 de julio en el Teatro Colón por la Orquesta Sinfónica de la Ciudad de Buenos Aires (actual OFBA) dirigida por Juan Emilio Martini, en ambas ocasiones su autor fue el solista, y por último, las Tres Cantilenas y Final, obra llena de nostalgia, son una reelaboración de tres (las Nos. 4, 6 y 10) de las Diez Cantilenas Argentinas (escritas para piano) con un final original, con ella concluye mi recomendación para la escucha del día de hoy.

Guastavino, el más destacado compositor del nacionalismo romántico del siglo XX, demostró con sus obras que más allá de Tango y Milongas, la música argentina es Poesía, murió el 28 de octubre del 2000 en su ciudad natal.

Carlos Guastavino (1912-2000)
"Tres Romances Argentinos" (1946, Orq. del compositor 1948/49)
"Tres Cantilenas Argentinas y Final" para Orquesta de Cuerdas (1965)
"Suite Argentina" Ballet (1952)
"Romance de Santa Fe" para Piano y Orquesta (1952/53)

Piano: Alexander Panizza
Director: Nicolas Rauss
Orquesta Sinfónica Provincial de Rosario
301 MB
EAC:FLAC+Cue+Log & Covers


viernes, 8 de septiembre de 2017

RE:Ponce: Conciertos


Hoy en día, en las escuelas de música abundan gente en demasía con el deseo de ser un As de la Guitarra más allá de si las intenciones de los y las intérpretes son del perfil clásico, jazz, rock, o cualquier otro género que venga en boga, y nada hay de malo en ello, por el contrario, pues cuando un instrumento es (por fisonomía y sonoridad) bello por naturaleza además que versátil, sencillamente no puede ser ignorado. En nuestra actualidad, la enseñanza de la Guitarra "con validez oficial y profesional" en instituciones de educación superior es algo convencional en toda aquella que ostente "de prestigio" proclamarse (en todo el mundo, ehh!!), pero por difícil que pareciese, estimados lectores, esto no siempre fue así.

Como bien sabéis, la Guitarra es descendiente directo de la Vihuela, lejanamente emparentada con el Laúd y procedente de España hacia el mundo, por ello, no debe sorprendernos que sea la nación de Cervantes la más relevante en cuanto a sus orígenes, su evolución y posteriormente, su consagración a través de los tiempos, si bien, los prototipos del instrumento (de 3 y/o 4 cuerdas) datan del siglo XIV, no será hasta finales del XVI que su presencia se hará notoria en toda la península Ibérica. En 1596, al ser publicado en Barcelona el método titulado Guitarra española y vandola, en dos maneras de guitarra castellana y cathalana de cinco órdenes (10 cuerdas) por Juan Carlos Amat (músico aficionado, médico de profesión y arduo escritor), podemos considerar esta fecha como el Preludio a su formal aparición en el siguiente siglo (por cierto, la guitarra española arribó a Francia en la primera década de 1600's por el gallego Luis de Briceño, el intérprete más respetado de aquella época -por lo menos sí hasta 1630-).

En la primera mitad del XVII, el Barroco en plenitud, figuras como Gaspar Sanz, Francisco Guerau en España, Nicolao Doici de Velasco en Portugal, Girolamo Montesardo, Giovanni Ambrosio Colonna en Italia y Francesco Corbetta en Francia, introducirían la Guitarra en los círculos más cultos de aquellos países, y apesar de que fue del gusto de la más altas esferas sociales (El Rey Sol la declaró como su instrumento predilecto), su aceptación en la música de cámara sería escasa y en la música sacra rotundamente derogada. El XVIII traería consigo nuevos adalides en la composición, interpretación y teorización, entre los cuales destacan, Santiago de Murcia, Antonio de Santa Cruz y Fernando Ferandiere, pero el más trascendental suceso para la Guitarra durante este siglo se efectuaría en 1788 en Weimar,  cuando el Luthier alemán, Jacob Augustus Otto, diseñó el prototipo de la Guitarra que hoy en día conocemos convencionalmente al incorporar su Sexta cuerda además de suprimir el viejo sistema de órdenes dobles por un innovador sistema de cuerdas simples, su propagación fue casi inmediata en toda Europa, ejemplo de ello, entre 1797-99 Luigi Boccherini sería de los primeros compositores en escribir música de cámara para Guitarra de seis cuerdas, sus cuatro Quintetos para Guitarra y Cuarteto de Cuerdas son muy probablemente, las obras más relevantes del clasicismo para el instrumento.

Ahora bien, después de todo lo inductivo al Tema, llegados al siglo XIX por fin trataré el punto que deseo tengan en mayor consideración: La Guitarra en el Conservatorio.

El Real Conservatorio de Madrid tiene el distintivo de ser la más antigua escuela -en cuanto a música se refiere a nivel superior- de España al ser fundado en 1830, a su momento de creación la Guitarra no era una opción que se ofertara al público interesado, esto ligeramente cambiaría en 1857 cuando se creó el puesto de "maestro honorario" que ocupó primeramente Miguel Carnicer (guitarrista catalán que sintetizó y perfeccionó dentro de su técnica las escuelas de Fernando Sor y Dionisio Aguado) a expensas de una paga mínima e influencia baja como docente en dicha institución, naturalmente, el puesto no era ni prestigiado ni codiciado por los intérpretes con mayor maestría en ejecución, pero la existencia de esta clase cumplía con la necesidad de llevar de alguna forma la Guitarra a las aulas del Conservatorio. En la década de 1870's entraría en escena una de las primeras grandes leyendas de la Guitarra moderna a nivel mundial, Francisco Tárrega (quienes hayan nacido en los 90's y hayan tenido un celular Nokia recordarán el Nokia Tune, que es en realidad los compases 13 a 16 del Gran Vals en La mayor de Tárrega), artista cuyo nombre, al igual que su música, son sinónimo de grandeza y originalidad, varias de sus obras son parte del acervo obligado de todo guitarrista que diga llamarse conocedor, su influencia ayudó para que a finales del XIX e inicios del siguiente, la Guitarra (de la vida rural campesina a las calles urbanas, pasando por tabernas y teatros de cuestionables reputaciones) llegara a ser apreciada en los recintos de mayor fama en Europa y luego, al resto del mundo.

Y hasta aquí puede que todo suene muy bonito, pero paradojicamente, en pleno siglo XX no había Institución alguna que ofreciera "estudios profesionales" en Guitarra en todo el orbe, esta situación no cambiaría hasta que en diciembre de 1935 el Real Conservatorio de Madrid ofició la Licenciatura en Guitarra designando a Regino Sainz de la Maza (afamado guitarrista a quien Joaquín Rodrigo le compondría y dedicaría su Concierto de Aranjuez) como profesor y jefe de academia aunque con un bajo perfil de maestro interino (?), lo insólito del caso es que esta Institución tardó más de 100 años desde su fundación en normalizar esta Cátedra, y eso que para la tercera década de 1900's ya habían dejado huella Maestros tan inminentes como Miguel Llobet, cuyo más famoso pupilo, Andrés Segovia es con toda seguridad, el más destacado guitarrista del siglo, pero también llamarían la atención Agustin Barrios y el anteriormente citado, Regino Sainz de la Maza. En México, el CNM decretaría el nivel superior en Guitarra en 1938, el yucateco Renán Cárdenas Pinelo sería el primer egresado de todo el país al aprobar su examen de oposición en 1939.

Todo lo anterior es solo una breve reflexión sobre la Guitarra para que tengan algo en que pensar cuando escuchen o toquen este bello instrumento, en cuanto al álbum de hoy les he de recomendar el Concierto del Sur de Manuel M. Ponce, compuesto a petición de Andrés Segovia y a quien la partitura esta dedicada, su titulo alude a la música andaluza del sur de España cuya influencia dentro de la obra se aprecia en los giros melódicos flamencos de la parte solista, su estreno se realizó en Montevideo, Uruguay el 4 de octubre de 1941 por la Orquesta del SODRE bajo la dirección Ponce y Segovia en la Guitarra.

Manuel María Ponce (1882-1948)
Concierto "Romántico" para Piano y Orquesta (1910/11)
Concierto "del Sur" para Guitarra y pequeña Orquesta (1941)
Concierto para Violín y Orquesta (1942)*

Piano: Guadalupe Parrondo
Guitarra: Alfonso Moreno
Violín: Román Revueltas
Director: Román Revueltas
Director: José Guadalupe Flores*
Orquesta Sinfónica de Aguascalientes
353 MB
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miércoles, 30 de agosto de 2017

RE:Falla: La Vida Breve


La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando había dado a conocer en julio de 1904 su convocatoria al "Concurso de Composición de Ópera Española 1905" con unas cuantas cláusulas algo restrictivas a la vez que desalentadoras (pero con buenas intenciones, pues al evitar todo tipo de "zarzuelísmo" se buscaba dignificar el teatro musical español elevándolo a la categoría del Drama lírico), primero, las óperas postulantes se adecuarían al formato de un único acto, segundo, la temática debía ser de identidad nacional, tercero, el ganador recibiría una remuneración de 2500 pesetas y, cuarto, la garantía de que la Academia buscaría gestionar por todos los medios posibles las representaciones públicas de las obras galardonadas en alguno de los recintos madrileños que se encontrara a disposición. El jurado calificador estaría presidido por respetados compositores de la época, entre los cuales figuraban Tomás Bretón (por aquellos tiempos en la cúspide de su fama) y José Serrano (el más prolífico compositor de zarzuelas de su generación) y otros.

Por tal misiva, Manuel de Falla emprendería -entre agosto de 1904 y marzo del siguiente- la composición de La Vida Breve en colaboración con Carlos Fernández Shaw, quien había escrito -unos cuantos meses atrás- un Poema de titulo homónimo que, a instancias del compositor, lo reestructuró de acorde a las exigencias de un digno libreto de ópera (de hecho, por lo general, el buen éxito de una ópera se debe a la estrecha relación entre compositor y libretista, La Vida Breve es un ejemplo de ello), además, ambos poseían el talento innato para asegurar el éxito, por un lado, Falla ya había tenido experiencia componiendo música para la escena (seis zarzuelas, de las cuales solo una, Los amores de la Inés, en 1902 logró estrenar), y por el otro, Fernández Shaw ya había adquirido una solida maestría en la dramaturgia (más de 60 libretos -de un total de 73- para el teatro lírico). El 31 de marzo de 1905 (fecha limite de inscripción) el compositor entregaría su manuscrito a las autoridades de la Academia, meses después, el 2 de  noviembre el jurado dio a conocer su dictamen, el cual declaraba unánimemente a Manuel de Falla como el ganador del concurso, el 13 del mismo, públicamente era laureado.

Tras su airoso triunfo, el compositor esperó -contrario a toda expectativa- inútilmente durante los 18 meses siguientes el poder ver La Vida Breve representada, la razón fue que la Academia no logró convencer a las compañías de ópera que se presentaban en el Teatro Real [de Madrid] para su puesta en escena porque sus dirigentes argumentaban (con muchos prejuicios) que el libreto "era vulgar y de mal gusto". Sabiendo que su carrera no escalaría más mientras permaneciera en España, Falla decidió en el verano de 1907 partir hacia París (residiría en la capital francesa hasta 1914) donde conocería y entablaría amistad con Paul Dukas, quien le asesoró en el arte de la orquestación mientras que Claude Debussy le daba consejos en cuanto a la armonía y declamación vocal, es por ello que Falla entre 1909-12 revisaría arduamente la partitura cuya primera gran reforma fue dividirla en dos actos para mejores efectos dramáticos, la gama orquestal fue notoriamente reforzada al igual que fueron compuestos nuevos segmentos, como por ejemplo, el bello y nostálgico intermezzo y la danza gitana del segundo acto, cuadro dos.

El argumento de la ópera pertenece al más puro estilo del verismo trágico, la acción se sitúa en el barrio de Albaicín en Granada, la protagonista de la historia, Salud, una joven y bella gitana de buen corazón está ciegamente enamorada de Paco, un engreído y astuto señorito que mediante falsas promesas de amor ha logrado degustarla, mientras que por otro lado, se ha comprometido con Carmela, una chica de familia rica e igual de buen parecer y que también ignora por completo las infidelidades de su prometido, el desenlace es predecible, Salud, en compañía de su tío Sarvaor, se presenta en la fiesta de los recién casados para delatar ante todos los invitados el engaño del que ha sido victima, por supuesto, Paco todo lo niega, algo que agravia aun más el destrozado corazón de Salud, quien presa del desamor, muere en los brazos de su amado pronunciando dulcemente su nombre, la muchedumbre queda boquiabierta ante el cuerpo inanimado de la joven, el tío Sarvaor maldiciendo a Paco arremete en contra suya, después sonando disonantes acordes finales. el Telón cae.

La Vida Breve tuvo su estreno (después de tantas pericias) el 1° de abril de 1913 en el Casino Municipal de Niza obteniendo los mejores elogios de la critica especializada, para aquel entonces, Carlos Fernández Shaw llevaba poco más de dos años de haber fallecido, el compositor dedicó esta ópera a la memoria del destacado dramaturgo. Cante Jondo!!

Manuel de Falla (1876-1946)
"La Vida Breve" Ópera en dos actos (1904/05-09/12rev.)

Director: Eduardo Mata
Simón Bolívar Symphony Orchestra of Venezuela
Schola Cantorum de Caracas
Coro Alberto Grau
Coro Polifónico Rafael Suárez
227 MB
EAC:FLAC+Cue+Log & Covers


sábado, 26 de agosto de 2017

RE:Zwanzig Jahrhundert Mexikanische Symphonische Musik Vol. 2


A propósito del álbum de hoy, quisiera escribir algo sobre uno de los hijos más ilustres del estado de Veracruz, se trata de Eduardo Hernández Moncada, distinguido artista que nació en Xalapa el 24 de septiembre de 1899 y que prácticamente ejerció todos los campos del saber musical con eficiencia y diligencia (compositor, director de orquesta y coro, pedagogo e intérprete). En 1918 ingresaría al CNM pero iniciaría su carrera profesional en los años 20's al ganarse la vida como pianista en cafés y salas de cine (musicalizaba películas mudas), a mitades de esta década conocería a Carlos Chávez, quien (por aquellos años también se ganaba unos cuantos pesos como organista y director de la orquestina del Cine-Teatro Olimpia que se ubicaba en la calle 16 de septiembre del centro histórico de la Ciudad de México, hoy en día este "antiguo edificio cultural" es -gracias a los nefastos gobiernos marxistas del PRD- desde el 2001 la capital de la perversión sexual del DF, que poca madre!!) al fundar la Sinfónica de México en 1928 y por invitación personal integraría a Moncada a la orquesta como pianista y percusionista de fila, al año siguiente conocería a Silvestre Revueltas, quien recién había llegado de su última estadía en los EUA para ser el subdirector de la OSM, en este fructífero ambiente laboral los tres compositores entablarían una cálida amistad.

Le debemos mucho a la Providencia el que gestara el encuentro de estos grandes personajes para que dieran directriz a la vida musical del país en el pasado siglo XX (o creen que es casualidad que los tres nacieran en 1899?), el caso con Moncada es que él supo equilibrar sin prejuicio alguno influencias modernistas con raíces folklóricas dentro de un pensamiento musical -un tanto- progresista -a la par que- conservador (a diferencia de sus dos homónimos que fueron más polares en sus estilos y criterios). Ahora bien, entorno a su Primera Sinfonía cabe destacar su maduro lenguaje, una elegante orquestación y su emotiva creatividad melódica, fue estrenada en el Palacio de Bellas Artes el 31 de julio de 1942 por la Orquesta Sinfónica de México dirigida por Dimitri Mitrópoulos, afamado director griego que (murió de un infarto dirigiendo la monumental Tercera Sinfonía de Gustav Mahler, Woow!!) elogió la excelsitud y finura de la pieza, el autor de la partitura dedicaría la obra a su estimado Carlos Chávez.

Tras haber tenido una longeva vida, Eduardo Hernández Moncada fallecería un 31 de diciembre de 1995 rodeado por su familia en su lecho y sabiendo que 96 años atrás su entrañable amigo Silvestre Revueltas había nacido.

Salvador Contreras (1912-1982)
Danza Negra (1966)

Eduardo Hernández Moncada (1899-1995)
Sinfonía No. 1 (1942)

Federico Ibarra (n.1946)
Sinfonía No. 1 "Para una tumba sin nombre" (1993)

Daniel Catán (1949-2011)
Tu Son, tu Risa, tu Sonrisa (1991)

Arturo Márquez (n.1950)
"Son" para Orquesta (1987)

Director: Eduardo Díazmuñoz
Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México
290 MB
EAC:FLAC+Cue+Log & Covers

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Agradecimientos a Martín de la Rosa por compartir el álbum.

sábado, 19 de agosto de 2017

Argentum: Gianneo, Camps, Ginastera


Atención gente del Internet!! que el álbum de hoy no lo pueden dejar pasar por inadvertido, mi consigna es que deben escuchar una de las más puras expresiones del nacionalismo musical argentino y ella es El Tarco en Flor de Luis Gianneo, un poema sinfónico inspirado en los coloridos follajes de San Miguel de Tucumán (capital de la provincia homónima del noroeste de Argentina, en ella el compositor vivió de 1923-42), sitio donde la llegada de la primavera y el estío son anunciados por el nacimiento de las flores de jacarandas que pintan la ciudad de un rosa-púrpura bastante peculiar (en México las jacarandas que nacen son de un tono azul-violeta), la pieza en sus inicios es de carácter melancólico (muy común en la música argentina, a poco no?) pero paulatinamente se torna en un ambiente festivo, segmentos de ternura y lirismo describen al Tarco elogiando su belleza, la obra concluye en una paz contemplativa.

Pompeyo Camps fue un compositor que se inició en la música popular urbana tocando piano y bandoneón en distintas agrupaciones de su natal provincia de Entre Ríos, en 1947 emprendió sus estudios profesionales -particulares- con Jaime Pahissa (compositor catalán establecido en Buenos Aires una década atrás), su relación maestro-pupilo se consolidó en una entrañable amistad que perduró hasta la muerte de Pahissa ocurrida en 1969. Su Fantasía Op. 42 es una especie de fusión entre tango y vals criollo con un variado manejo de la armonía y el contrapunto.

A los 21 años Alberto Ginastera concluiría -antes de graduarse del Conservatorio de Música "Alberto Williams"- su leyenda coreográfica Panambí (designada con el Opus 1 dentro de su catálogo), el montaje escénico desafortunadamente no pudo llevarse acabo el mismo año de haber terminado la partitura (hecho que sucedería en julio de 1940), no obstante, su autor extraería del ballet una suite de concierto que se estrenó el 27 de noviembre de 1937 por la Orquesta Estable del Teatro Colón dirigida por Juan José Castro, desde aquel día Ginastera se perfiló como el compositor líder de su generación (además recibió el premio de la Comisión Nacional de Cultura 1937), no menos importante, la obra se basó en el siguiente argumento de Félix L. Erruco:

"Según narra la leyenda, Panambí era la hermosa hija del cacique de una tribu guaraní que habitaba a orillas del río Paraná. Ella debía desposarse con Guarahú -el guerrero más valiente de la tribu- quien poco antes de celebrarse la boda, es secuestrado por las las doncellas que habitan en el río. El hechicero que ama a Panambí y ha sido rechazado por la bella indígena, aprovecha esta circunstancia para vengarse de ella y con tal propósito, informa a la tribu que los espíritus todopoderosos ordenan que Panambí se arroje al río en busca de su amado. Cuando la doncella se dispone a cumplir el mandato, aparece Tupá, un dios noble, quien le ordena desistir de su deseo, castiga al hechicero convirtiéndolo en un extraño pájaro negro y restituye a Guarahú, quien emerge de las aguas para arrojarse a los brazos de su amada"


Anatoly Lyadov (1855-1914)
"Baba-Yaga" Poema Sinfónico Op. 56 (1904)

Pompeyo Camps (1924-1997)
Fantasía para Orquesta de Cuerdas Op. 42 (1961)

Luis Gianneo (1897-1968)
"El Tarco en Flor" Poema Sinfónico (1929/30)

Alberto Ginastera (1916-1983)
"Panambí" Ballet Suite Op. 1a (1937)

Ottorino Respighi (1879-1936)
"Fuentes de Roma" Poema Sinfónico (1916)

Director: Jorge Fontenla
Orquesta Sinfónica de la Universidad Nacional de San Juan [Argentina]
279 MB
EAC:FLAC+Cue+Log & Covers

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jueves, 17 de agosto de 2017

RE:Compositores Mexicanos Vol. IV


Uno de los recintos artísticos de mayor importancia de la Ciudad de México es la Sala Nezahualcóyotl que se encuentra dentro de los parajes del Centro Cultural Universitario, una edificación heredada gracias a las insistencias de Eduardo Mata por cuyo deseo de que la OFUNAM tuviese un hogar digno de una orquesta de primer orden, logró convencer al entonces rector de la Universidad, el Dr. Guillermo Soberón Acevedo, para su construcción. El proyecto fue encomendado a Arcadio Artis (destacado arquitecto mexicano de origen catalán), quien diseñó -tanto en exteriores como en interiores- una sala de conciertos fuertemente influenciada en la Berliner Philharmonie (el hogar de mi amada inmortal, la Filarmónica de Berlín), el diseño acústico corrió a cargo de Christopher Jaffe (especialista estadounidense en Acústica arquitectónica), el responsable de que su sonoridad fuera categóricamente nombrada como la mejor de América Latina (eso probablemente ya no sea vigente hoy en día). Su inauguración fue celebrada el 30 de diciembre de 1976 en un concierto-memorial ofrecido por la OFUNAM bajo la dirección de Héctor Quintanar (para dicha ocasión compuso Fiestas), desde aquel entonces la Sala Neza ha sido sede de la orquesta y la principal testigo de la vida musical universitaria.

En otro contexto, de Silvestre Revueltas vienen presentes el Canto de Guerra para las Fuerzas leales (la cual no hace falta comentar) y Colorines, una obra para ensamble pero de sonoridades sinfónicas, el compositor (con su clásico sarcasmo) dio el siguiente comentario referente a ella:

"Música de chirridos, dislocada, según respetables opiniones. Con un poco de imaginación -o tal vez con mucha- romántica, según otras. De todas maneras de un defino carácter mexicano. Música irónica, ruda, tierna, quizás hasta un poco dolorosa (¿para los oídos?)"

Complementan el álbum las graciosas Variaciones (sobre Las Mañanitas) de Alfonso de Elías y la suite Contrastes de Higinio Velázquez.

Héctor Quintanar (1936-2013)
Fiestas (1976)

Silvestre Revueltas (1899-1940)
"Colorines" Poema Sinfónico (1932)
"Canto de Guerra para las Fuerzas leales" Fanfarria para Metales, Percusión y Piano (1938)

Alfonso de Elías (1902-1984)
Variaciones sobre un Tema Mexicano (1927)

Higinio Velázquez (n.1926)
"Contrastes" Suite Sinfónica (1980)

Director: Héctor Quintanar
Orquesta Sinfónica de la Universidad de Guanajuato
260 MB
EAC:FLAC+Cue+Log & Covers


martes, 15 de agosto de 2017

RE:América y Europa: El Encuentro de los Clásicos


El 2003, haciendo memoria de ese año, la política internacional se encargó de desmembrar Yugoslavia para siempre, el campo de la literatura-pop daría a luz el -nefastísimo- "Código Da Vinci" de Dan Brown (lo leí al igual que muchos curiosos........la verdad me decepcionó) y en lo deportivo la selección mexicana de fútbol ganaría la "Copa Oro" en un partido muy aburrido contra Brasil, por otro lado, recuerdo que en el mismo año la planta Volkswagen de Puebla ensambló el último Vocho del mundo, el Festival Internacional de Cine de Morelia se oficiaba por vez primera y la OSN [de México] festejaba sus 75 años de ser la agrupación musical más relevante del país (además de coincidir los 100 años de la cadena comercial Sanborns, hecho que carece de importancia para este sitio y que pasaría totalmente desapercibido sino fuera porque dicha Empresa auspició la última producción discográfica -la que comparto hoy con ustedes- de Enrique A. Diemecke al frente de dicha orquesta), por mi parte, estaba concluyendo la educación primaria e iniciaría la secundaria.

El álbum de hoy contiene íntegramente el concierto de gala que la OSN ofreció el viernes 28 de noviembre de 2003 en la sala principal del Palacio de Bellas Artes, en dicha ocasión se interpretaron obras que en conjunto son un mosaico de América y Europa, dos mundos geográficamente separados pero que históricamente han dado forma a una misma visión: Occidente, la música -en su manifestación más erudita- da testimonio de ello. Seguimos Sonando.

Alberto Ginastera (1916-1983)
Malambo (No. IV) de la Suite del Ballet "Estancia" Op. 8a (1941)

Heitor Villa-Lobos (1887-1959)
El Trenecito del Campesino de (No. IV) de Bachianas Brasileiras No. 2 (1930)

Teófilo Álvarez Álvarez (n.1944)
Marinera Trujillana (196?/7?)

Inocente Carreño (1919-2016)
"Margariteña" Glosa Sinfónica (1954)

Enrique Arturo Diemecke (n.1955)
Chacona a Chávez (1999)

Aaron Copland (1990-1990)
Hoe Down (No. IV) de "Rodeo" Cuatro Episodios Dancísticos (1942)

Blas Galindo (1910-1993)
Sones de Mariachi (1940-41rev.)

Edward Elgar (1857-1934)
Marcha No. 1 en Re mayor de "Pompa y Circunstancia" Op. 39 (1901)

Gerónimo Giménez (1854-1923)
Obertura de la Zarzuela "La Boda de Luis Alonso" (1897)

Jacques Offenbach (1819-1880)
Can-cán (Galope) del segundo acto de la Ópera "Orfeo en los Infiernos" (1858)

Gioacchino Antonio Rossini (1792-1868)
Tarantella de la "Boutique Fantástica" (Orq. de Ottorino Respighi 1919)

Johann Strauss II (1825-1899)
"Sobre el Bello Danubio Azul" Vals (1866)

Piotr Ilich Tchaikovsky (1840-1893)
"1812" Obertura Solemne Op. 49 (1880)

José Pablo Moncayo (1912-1958)
"Huapango" (1941)

Director: Enrique Arturo Diemecke
Orquesta Sinfónica Nacional de México
476 MB
EAC:FLAC+Cue+Log & Covers

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Aporte de Beto, muchas gracias!!

lunes, 7 de agosto de 2017

RE:Bretón: Obra Orquestal


Siempre he querido visitar España, es un deseo que desde mi niñez tengo pero que hasta la fecha no he podido realizar (y ganas no me hacen falta, la cultura española nunca ha sido ajena en mi vida), de todas sus comunidades la que más anhelo conocer es Andalucía (por antonomasia el iris de Iberia), pues todo en ella desde cualquier perspectiva que se vea es maravilloso, con tan bellas ciudades -cada una con una mágica historia- como Córdoba, Sevilla, Almería, Cádiz, pero especialmente, Granada, que -"de lindas mujeres de sangre y sol" como dice la canción de Agustín Lara- siendo poseedora de la imponente Alhambra (con sus atardeceres de fantasía) y el finísimo Palacio de Carlos V (el rey de los chocolates, según dicen), seducen todo aquel quien camine por sus salas, corredores, etc (bueno, yo solo me lo imagino, aún).

Ahora, entrando en materia, el álbum de hoy hace gala a la figura de Tomás Bretón y su prodigiosa maestría en la orquestación de obras puramente sinfónicas además de incluir algunos números orquestales de sus óperas (no zarzuelas, ehh), muy buena música. Olé España!!.

Tomás Bretón (1850-1923)
"Escenas Andaluzas" para Orquesta (1894)
Preludio de la Ópera "Guzmán el Bueno" (1877)
Preludio de la Ópera "La Dolores" (1895)
Sardana (Danza) del primer acto de la Ópera "Garín" (1892)
Preludio de la Ópera "Los Amantes de Teruel" (1889)
"En la Alhambra" Serenata Sinfónica (1888)

Director: Miguel Roa
Orquesta de la Comunidad de Madrid
286 MB
EAC:FLAC+Cue+Log & Covers

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sábado, 5 de agosto de 2017

RE:Tres Siglos: Tres Conciertos para Violonchelo y Orquesta


Tres directores, tres orquestas, un mismo intérprete...........Para ser sincero con ustedes, la verdad es que este álbum no es muy de mi agrado, y no es que las obras incluidas en el sean malas o poco interesantes, sino por la parca calidad interpretativa de Carlos Prieto y en especial por su deplorable ejecución del Concierto de Ricardo Castro, pues en mi libre opinión, el maestro Prieto toca (un autentico Violonchelo Stradivarius 1720) tan convincentemente desafinado esta bellísima obra que logra hasta cierto punto, desvirtuarla (por lo menos sí la parte solista). Y lo que plausiblemente da razón a mi critica es que tras haber escuchado -casi todas- las grabaciones del Mtro. Prieto (se aclara que el que escribe estas lineas no es violonchelista) percato que sus interpretaciones del convencional repertorio académico (Bach, Beethoven, etc.) en verdad son deficientes, en cambio, su holgura interpretativa con la música nueva, como por ejemplo, la Fantasía Concertante de Joaquín Gutiérrez Heras y el Concierto de Samuel Zyman (ambas obras fueron comisionadas por el y para el) son más adecuadas para su forma de "tocar".

No obstante, lo indiscutible y admirable de Carlos Prieto (que por cierto también es un hombre de letras) es su altruismo hacia con el Arte; su Mecenazgo ha sido ampliamente reconocido en el medio musical internacional por fomentar la producción de nuevas obras para Violonchelo (solo o acompañado) entre los compositores de Latinoamérica -principalmente- y demás latitudes. Dejando de lado mi soberbio comentario del párrafo anterior, la verdad es que reconozco que gente como él (Empresarios amantes de la Cultura) hacen mucha falta en México.

Joaquín Gutiérrez Heras (1927-2012)
Fantasía Concertante para Violonchelo y Orquesta (2005)*

Samuel Zyman (n.1956)
Concierto para Violonchelo y Orquesta (1990)**

Ricardo Castro (1864-1907)
Concierto para Violonchelo y Orquesta en Do menor (1895)***

Violonchelo: Carlos Prieto
Director: Carlos Miguel Prieto*
Director: Enrique Arturo Diemecke**
Director: Jorge Velazco***
Orquesta Sinfónica de Xalapa*
Orquesta Sinfónica Nacional de México**
Berliner Symphoniker***
305 MB
EAC:FLAC+Cue+Log & Covers


viernes, 28 de julio de 2017

Compositores Mexicanos (y Españoles)


El álbum de hoy amerita unas cuantas aclaraciones y esto se debe principalmente por que contiene la primera grabación discográfica (hecha en septiembre de 1980) de la Sinfonía de Antonio Sarrier, un caso que hasta la fecha no queda del todo esclarecido debido a que tanto la obra como el compositor tienen indicios ambiguos, sin más preámbulo, ahí les va el chisme.

A mediados de 1939 apareció una antología titulada Morelia Colonial, la cual contenía una gran parte del archivo musical -descubierto por Miguel Bernal Jiménez seis años atrás- del Colegio de Santa Rosa María de Valladolid (fundado en 1743 y que a la postre es hoy conocido como el Conservatorio de la Rosas de la ciudad de Morelia), meses antes de la publicación, la Sociedad de Amigos de la Música [de Morelia] dentro de la presentación de su 10° Concierto Reglamentario realizado el 30 de mayo de 1939, efectuó el re-estreno de la Obertura (Sinfonía) de Antonio Sarrier por la Orquesta de la Sociedad dirigida por Miguel Bernal Jiménez, en los programas de mano de dicho concierto se especificaba que era la "primera sinfonía compuesta en América" pero no determinaba si su autor había sido un español peninsular, criollo, mestizo o algo (tendrían que pasar un par de décadas para que las conjeturas se resolvieran). Para 1997, el pianista y musicólogo Ricardo Miranda, publicó un libro llamado Antonio Sarrier: sinfonista y clarín, en el que clarificaba de una vez por todas quien fue dicho personaje y la historia detrás de su sinfonía, Antonio Sarrier fue un compositor que nunca abandonó España y se desempeñó como segundo clarín de la Real Capilla de la corte del rey Felipe VI el Prudente (1746-59), por su parte, en cuanto a la Sinfonía, menciona que el manuscrito encontrado en las Rosas fue obra de un copista, el cual fue enviado en un flete de partituras a Morelia aprox. en 1770 y resguardado en el Colegio, con ello, la premisa de "la primera sinfonía compuesta en América" quedó completamente desmantelada (todavía hoy en día la musicología experta no ha logrado determinar a quien le corresponde tal dicha).

El álbum es acompletado por la Obertura Concertante de Rodolfo Halffter (compuesta en Madrid en los años previo a su exilio en México al final de la Guerra Civil Española), la Noche de los Mayas y las Canciones (con textos de Antonio de Trueba y Federico García Lorca) de Silvestre Revueltas y por último, el Segundo Concierto para Violín (dedicado a Hermilio Novelo, muy probablemente el violinista mexicano más relevante de la segunda mitad del siglo XX) de Manuel Enríquez (basta decir que este concierto es de lenguaje modernista y experimental........me encanta!!).

Antonio Sarrier (1725-1762)
Sinfonía en Re mayor (17??)

Rodolfo Halffter (1900-1987)
Obertura Concertante para Piano y Orquesta Op. 5 (1932-37rev.)

Manuel Enríquez (1926-1994)
Concierto para Violín y Orquesta No. 2 (1966)

Silvestre Revueltas (1899-1940)
Cinco Canciones de niños y Dos Canciones profanas (1938, versión del compositor para Voz y Orquesta de Cámara 1939)
"La Noche de los Mayas" (1939, Suite de José Yves Limantour 1960)

Soprano: Margarita Pruneda
Piano: Jorge Suárez
Violín: Hermilio Novelo
Director: Luis Herrera de la Fuente
Orquesta Sinfónica de Xalapa
365 MB
EAC:FLAC+Cue+Log & Covers

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Aporte de Victor López, muchas gracias.

martes, 25 de julio de 2017

RE:Jesús Echevarría


Al Son de motivos de danza de inspiración folklórica e invención propia, Jesús Echevarría recrea en estas Suites barrocas las sonoridades de la -antigua- Nueva España a la par que rinde homenaje a las figuras del arte musical virreinal como lo fueron Antonio de Salazar, Manuel de Sumaya y muchos otros. Los títulos de estas suites aluden a dos regiones de México -la Huasteca potosina y la Tarasca michoacana- sus movimientos que las conforman se basan en melodías tradicionales (Suite Huasteca) aunque también ilustran el ambiente local (Suite Tarasca). Ambas obras son para cuarteto de cuerdas con acompañamiento de Jaranas, las cuales dan un aire huapanguero animoso. Fandango pues!!.

Jesús Echevarría (n.1951)
Suite Huasteca para Cuarteto de Cuerdas y Jaranas (1992)
Suite Tarasca para Cuarteto de Cuerdas y Jaranas (2000)

Jaranas: Jesús Echevarría
Cuarteto de Cuerdas Ruso-Americano
224 MB
EAC:FLAC+Cue+Log & Covers

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