lunes, 13 de noviembre de 2017

RE:Compositores Mexicanos Vol. V y VI


Iniciaremos la reseña del álbum doble de hoy respetando el orden cronológico de las obras que lo competen, en este entendido la primera mención es la Suite para Orquesta Op. 1 que Rodolfo Halffter compuso a petición de su maestro y amigo Manuel de Falla en los albores de 1924 (seguiría trabajando en ella hasta 1928), siendo esta su primera obra sinfónica de acentuado carácter juvenil pero con un rico lenguaje armónico-melódico netamente español perfectamente equilibrado y desarrollado (además la orquestación es exquisita), fue estrenada íntegramente el 5 de noviembre de 1930 en el Teatro de la Comedia madrileño por Arturo Saco del Valle y la Orquesta Clásica de Madrid. En cuanto a la senda neoclásica el Homenaje a Miguel de Cervantes de Blas Galindo (compuesto en ocasión del 400 aniversario del nacimiento del afamado escritor) cumple con todos los cánones de dicha corriente, en esta suite, temas de danza y ritmos españoles del siglo XVII con armonías y recursos del siglo XX, asimismo la influencia de Halffter es bastante notoria en la obra, se estrenó el 27 de octubre de 1947 por la Orquesta del CNM dirigida por Luis Sandi. El modernismo de la obra Los Cazadores de Joaquín Gutiérrez Heras se perfila dentro de la corriente expresionista del arte, concebida por su autor como un ballet sobre un argumento del coreógrafo Farnesio de Bernal cuyo tema central es el acoso, por razones inexplicables su montaje escénico no se realizó como se hubiese deseado, por su parte el material musical se construye principalmente sobre un lenguaje atonal progresivo, se estrenó el 23 de julio de 1965 por Eduardo Mata dirigiendo a la Orquesta Sinfónica Nacional (en el mismo concierto Mata daría a conocer sus Improvisaciones No. 2) en el Palacio de Bellas Artes.

Cuando se trata de la década de los 60's en México no hay suceso que acapare más la atención que hablar sobre la "XIX edición de los Juegos Olímpicos" realizados en el triste y polémico octubre de 1968 en la capital del país, como nuestro interés es la música esta vez no mencionaremos las cosas que no se olvidan y mejor daremos prioridad a comentar un hecho de lo más emotivo, el 11 de octubre del 68 se realizó La Ceremonia de Recepción del Fuego Olímpico en Teotihuacán tomando como escenario la Plaza de la Pirámide de la Luna de la ciudad de los dioses, ahí se suscitaría un evento sin precedentes que contó con la presencia de más de 5,000 bailarines en el acto, la coreografía fue obra de Guillermo Arriaga Fernández con escenografía de Julio Prieto, las Danzas de Leonardo Velázquez fueron compuestas para tal expreso propósito e interpretadas al fragor ritual por la orquesta que dirigió Armando Zayas, al día siguiente, después de que el Fuego olímpico de Zeus saliera de los cálidos aposentos del señor Xiuhtecuhtli, la antorcha continuaría su trayecto hacia La Inauguración en Ciudad Universitaria. Casi en la misma tendencia temática prehispánico-indigenista (claro, de forma imaginaria y no pretenciosa) se alinea la Suite Indiana que Emilio Ortíz García compusiera en 1972 después de haber asistido al curso de verano que diera el compositor Donald Michalsky en la Universidad Estatal de California en Fullerton, consta de cuatro sencillos movimientos muy propios de un pensamiento musical conservador.

Las dos breves Fanfarrias de Guillermo Pinto Reyes son de un fervoroso carácter eclesiástico y escritas para un ensamble de metales y percusión, el conjunto es tratado como si fuera un gran órgano, en cambio muy contrastantes son el Ciclo de Canciones de Manuel de Elías por su lenguaje atmosférico abstracto, las letras son del propio compositor y fueron concebidas (en su versión para voz y piano) para ser estrenadas por la mezzo Encarnación Vázquez dentro del marco del Festival Cervantino de 1988, la orquestación de 1992 es un excelente trabajo en la materia que enriquece el potencial de la obra. Y ya por finalizar, las obras de Héctor Quintanar, el Divertimento y la orquestación de la Marcha Celaya de Isaías Barrón, fueron realizadas para ser parte del repertorio básico del proyecto que Fernando Lozano en 1988 fundaría denominándolo "Orquestas y Coros juveniles de México" y que con el pasar de los años se transformaría en el actual Sistema Nacional de Fomento Musical, siendo desde sus inicios una copia muy mal trazada del Sistema de Orquestas de Venezuela, a pesar de ello cumple con una labor social de alta demanda que es avivar a la juventud encantandose con el más supremo arte de Euterpe, descrito en palabras de Cervantes:

"La música compone los ánimos descompuestos y alivia los trabajos que nacen del espíritu"

CD1

Blas Galindo (1910-1993)
"Homenaje a Miguel de Cervantes" Suite para Orquesta (1947)

Joaquín Gutiérrez Heras (1927-2012)
"Los Cazadores" Escena Sinfónica (1961)

Rodolfo Halffter (1900-1987)
Suite para Orquesta Op. 1 (1924/28)

Manuel de Elías (n.1939)
"Canciones del Ocaso" Ciclo para Voz y Piano (1988, Orq. del compositor 1992)

Mezzo-soprano: Adriana Díaz de León
Director: Héctor Quintanar
Orquesta Sinfónica de la Universidad de Guanajuato
208 MB
EAC:FLAC+Cue+Log & Covers

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CD2

Leonardo Velázquez (1935-2004)
Danzas del Fuego Nuevo (1968)

Héctor Quintanar (1936-2013)
Divertimento para Orquesta infantil (1989)

Isaías Barrón (1882-1964)
Marcha Celaya (1951?, Orq. de Héctor Quintanar 1990)

Guillermo Pinto Reyes (1920-1997)
Fanfarrias (19??)

Emilio Ortiz García (19??-2004)
Suite Indiana (1972)

Director: Héctor Quintanar
Orquesta Sinfónica de la Universidad de Guanajuato
157 MB
EAC:FLAC+Cue+Log & Covers

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martes, 7 de noviembre de 2017

Márquez, Ruiz Armengol, Villa-Lobos, Piazzolla


Entre la originalidad y la transcripción, la selección de obras del álbum de hoy (pese a sus estilos y épocas) proceden desde lo más intimo de los líricos aires de la vida urbana, si bien, estilizadas de acorde a los estándares de la música de concierto, estas proyectan una fuerte inspiración popular fusionándose con lo más depurado de la técnica académica por inventiva de los autores. También es un disco pensado especialmente para toda la flota cuerdista y contrabajera que surca por la Web mayor deseando acceder a interpretaciones alternativas en oposición a las monopólicas grabaciones del Cuarteto Latinoamericano que abundan por doquier, por lo demás, el repertorio cumple con todas las expectativas que un buen melómano desea escuchar.

Arturo Márquez (n.1950)
Danzón No. 5 "Portales de Madrugada" (1997, versión para Cuarteto de Cuerdas ????)
"Homenaje a Gismonti" para Cuarteto de Cuerdas (1992)

Mario Ruíz Armengol (1914-2002)
Tres Piezas (1964, 1979, trans. de A. Ramos y J. Delezé para Cuarteto de Cuerdas)

Heitor Villa-Lobos (1887-1959)
Cuarteto de Cuerdas No. 1 (1915-46rev.)

Astor Piazzolla (1921-1992)
Tango Ballet (1956, Trans. de José Bragato para Cuarteto de Cuerdas 1977)

Cuarteto de Cuerdas Quattuorum
284 MB
EAC:FLAC+Cue+Log & Covers

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Aporte del camarada Martín de la Rosa, gracias.

sábado, 4 de noviembre de 2017

Gianneo: Obras para Violín y Piano


Tan solo deseo agregaros unas cuantas lineas adicionales para el álbum de hoy. La Sonata para Violín y Piano de Luis Gianneo fue compuesta en San Miguel de Tucumán en el transcurso del año 1935, la obra esta estructurada en tres movimientos sobre un claro lenguaje romántico nacionalista destacando el segundo tiempo (Lento) por su noble lírica de influencia folklórica, por su parte las Cinco Piezas para Violín y Piano datan de 1942 siendo una breve serie de piezas características e igualmente procediendo del contacto con la música tradicional (principalmente del norte de Argentina). Protagonizan las distinguidas intérpretes Edith Murano en el piano y Brunilda Gianneo en el violín, esta última, hija menor del compositor.

Luis Gianneo (1897-1968)
Sonata para Violín y Piano (1935)
Nos. 3, 4 & 5 de Cinco Piezas para Violín y Piano (1942)

Johannes Brahms (1833-1897)
Sonata para Violín y Piano No. 3 en Re menor Op. 108 (1886/88)

Violín: Brunilda Gianneo
Piano: Edith Murano
207 MB
EAC:FLAC+Cue+Log & Covers

martes, 31 de octubre de 2017

Roldán: Los Tres Toques, Curujey


"(...) usted sabe, General, que mover a un país, por pequeño que sea, es obra de gigantes. Y quien no se sienta gigante de amor, o de valor, o de pensamiento, o de paciencia, no debe emprenderla"

Del gran revolucionario José Martí al Gral. Máximo Gómez.

Aquellas palabras son apropiadas para describir la titánica labor artística de Amadeo Roldán, personalidad digna de elogio en toda la historia musical cubana y uno de los simpatizantes más distinguidos del afrocubanismo, movimiento intelectual originado en la década de los 20's del pasado siglo cuyo primordial postulado era la reivindicación de las raíces negras a través de una antropología cultural perfeccionada en un Arte con identidad nacional, previo a ello, Roldán fue un músico virtuoso entre dos mundos, España y Cuba son Patria y Matria en toda concepción, hijo mayor de Moisés Roldán (español) y Albertina Gardes (cubana), nació el 12 de julio de 1900 de manera fortuita e inesperada en París debido a que sus familiares visitaban la capital en ocasión de la Exposición Universal, aunque obtuvo la nacionalidad francesa esta siempre fue meramente simbólica, desde su infancia hasta toda la adolescencia vivió en Madrid, en 1908 ingresaría al Real Conservatorio de Música y Declamación para estudiar solfeo, armonía y violín graduándose en 1916, un año antes ganaría el Primer Premio del Concurso Internacional de Violín Pablo Sarasate y a partir de 1917 se incorporaría a la Orquesta Filarmónica de Madrid mientras que paralelamente de forma particular estudiaría composición con Conrado del Campo hasta 1919, ese mismo año se trasladaría junto a su familia a Cuba arribando el 6 de octubre a La Habana, al poco tiempo de su llegada entablaría relaciones con el compositor español Pedro Sanjuán Nortes con quien completaría su formación siendo su pupilo por los siguientes tres años.

En 1920 Roldán formaría junto al pianista Germán Araco un dúo que principalmente se presentaba en el salón del Restaurante Lafayette, fue ahí donde Roldán conocería a un joven periodista llamado Alejo Carpentier que tenía la costumbre de almorzar junto a su padre en dicho sitio (el mismo recinto sería años después la sede del Grupo Minorista que fue una asociación de artistas de vanguardia con un fuerte sentido en la acción política), para 1922 se fundaría (por los esfuerzos del director Gonzalo Roig) la Sinfónica de La Habana en la cual Roldán, además de figurar como el Concertino de la orquesta, conocería a Alejandro García Caturla quien a sus 16 años era (estudiante de derecho en la Universidad) uno de los segundos violines más entusiastas de la agrupación, en 1924 se reformó la Sinfónica en Filarmónica teniendo como director principal a Pedro Sanjuán Nortes, al año siguiente Roldán al ser nombrado subdirector de la orquesta se empeño en ofrecer Conciertos de Música Nueva que hicieron sonar por primera vez obras de Stravinsky, Bartók, Schoenberg, entre muchos otros, en Cuba, en 1927 hace su aparición el Cuarteto de Cuerdas de La Habana (auspiciado por la Sociedad Hispano-Cubana de Cultura) cuyos integrantes eran Amadeo Roldán (violín 1°), Rafael Cabrera (violín 2°), José Sinelnikow (viola) y -el hermano menor del compositor- Alberto Roldán (violonchelo). En 1928 tras la creación de la Pan American Association of Composers su principal gestor, Henry Cowell invitó a Roldán a ser uno de los miembros de esta, siendo desde 1930 director de la West Indies Sections de dicha cooperativa, dos años después asumiría el puesto de director principal de la Filarmónica y en los años posteriores previo a su muerte se enrolaría como maestro de armonía, composición y otras materias en varias instituciones locales (Conservatorio de la Filarmónica, Escuela Normal de Música, Conservatorio Municipal, etc.), fallecería el 2 de marzo de 1939 siendo victima de un cáncer facial.

Con respectos a las obras del álbum de hoy basta decir que son más que interesantes y pueden en potencia sacudirles el cuerpo, el Curujey es un Son que musicaliza un poema de Nicolás Guillén (Jah! con toda seguridad el escritor cubano más musicalizado, algunas fuentes citan a más de 120 compositores de Cuba y otras partes del mundo que se han inspirados en sus Poemas) sobre motivos  de carácter Afro y Sensual de la vida popular cubana, la pieza -aunque breve- goza de ser rica en su variedad rítmica y melódica, mientras que Los Tres Toques es una obra inspirada en celebraciones litúrgicas de origen africano desde la pespectiva de un espectador ajeno a la naturaleza de aquellos ritos, en otro enfoque la obra es antropológica porque su autor en sus labores musicológicas tuvo que presenciar ceremonias de descendientes de indígenas caribes para concebirla. Por último, Curujey se estrenó el 9 de julio de 1932 por la Sociedad Coral de La Habana dirigida por María Muñoz de Quevedo en el Teatro Auditórium (Teatro Amadeo Roldán desde 1959) mientras que Los Tres Toques se estrenarían el 8 de junio de 1934 por su autor dirigiendo a la Orquesta de Cámara de La Habana en el Teatro Campoamor, ambos recintos ubicados en la capital cubana. Bueno pues, Ya Préndanse!!

Amadeo Roldán (1900-1939)
"Los Tres Toques" para gran Orquesta de Cámara (1931)
"Curujey" Son para Coro mixto, dos Pianos y Percusión (1931)

Director: Manuel Duchesne Cuzán
Orquesta Sinfónica Nacional de Cuba
Coro Nacional de Cuba
162 MB
EAC:FLAC+Cue+Log & Covers

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lunes, 23 de octubre de 2017

Die Vorhersage: Klaviermusik von José Pomar


Hay ocasiones en que me es debido hablaros sobre músicos desconocidos (o por lo menos poco citados) para daros una referencia más o menos clara del panorama musical latinoamericano a través de su Historia moderna, esto con el propósito de despertar en vosotros una curiosidad (como la mía, Jah!) que los impulse a conocer y comprender nuestro pasado en común, además, de servir a la comunidad de melómanos que deambulamos por doquier siempre deseosos de incrementar nuestra erudición en relación al arte de lo intangible así que por lo tanto y por vez primera, en este sitio he de reseñar algo sobre la vida y obra del compositor mexicano José Pomar, un singular personaje que ha sido indebidamente relegado por el oficialismo de estado debido a sus ideales políticos izquierdistas, pues desde cualquier perspectiva, siempre se consideró así mismo como un hombre del Proletariado, militante del Partido Comunista de México, miembro del Frente Popular Antiimperialista y secretario de la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios cuando Silvestre Revueltas había tomado la presidencia de esta asociación en 1937.

Nacido el 18 de junio de 1880 en la Ciudad de México, Pomar fue desde muy joven un vehemente estudioso de la mecánica, materia que deseó formalmente estudiar pero sus necesidades lo arrastraron y definieron dentro del mundo de la música, durante su adolescencia, época económicamente inestable para el y su familia, sus principales maestros fueron Carlos J. Meneses (piano) en su Academia particular (fundada en 1896) y Gustavo E. Campa (composición) igualmente en su Academia privada (fundada en 1898) que estaba anexa a la Casa Wagner y Levien, por estos años compondría su primera obra del cual se tiene registro, El Juglar es una pieza evocativa a la vez que descriptiva, por un lado es un cuadro que ilustra el ambiente de una feria mientras que por otro relata la historia de un personaje carnavalesco que previo a su función, esta hambriento y con pocas fuerzas para realizar su acto, al acaparar la atención de la gente inicia su faena con malabares y otros trucos maravillando a su Público, no obstante, al final de su número es victima de un cansancio que lo aturde hasta quedar muerto en el piso, la muchedumbre, no sabiendo si esa escena es parte del espectáculo, simplemente se dispersa mostrando una indiferencia ante el cadáver, esta miniatura de inocente virtuosismo fue dedicada a Campa y es la única obra que su autor en toda su vida pudo ver publicada al vender los derechos de la pieza a la editorial de la Casa Wagner y Levien en 1904, ese mismo año se casaría con su compañera Luz Aguilar y un joven Diego Rivera le obsequiaría como regalo de bodas un oleo sobre tela retratando a nuestro estimado músico.

La primeras dos décadas de 1900's se caracterizan por ser el periodo más europeizante de la vida de Pomar, por estos años la influencia de la música de Chopin es más que evidente en sus obras, ejemplo de ello son sus Mazurkas y Preludios (su suite La Quimera también es afín de este influjo) que se amoldaban bien a las exigencias de la reinante música de salón de la era Porfiriana, en cuanto al resto de su formación podemos inferir que se consolidó a través de su propio ímpetu en la vida práctica como pianista, sus amistades Pedro L. Ogazon y Luis Moctezuma (ambos alumnos de Meneses e inminentes pianistas del medio musical mexicano de finales del XIX e inicios del XX) fueron un gran apoyo tanto en lo económico como en lo profesional, también entablaría amistad con Manuel M. Ponce cuando este era estudiante del Conservatorio, Pomar le dedicaría su Preludio No. 3 mientras que Ponce de la misma manera le dedicaría su Mazurka No. 17, ambas obras están en la tonalidad de Sol mayor existiendo una ingenua correspondencia entre estas.

En 1908, por insistencia de su amigo Guillermo E. Symonds, se traslada a la ciudad de Pachuca (vivió ahí hasta 1915), sitio donde (aparte de dar clases particulares de piano para sostener a su familia) formaría el Sexteto Pomar (dos violines, un cello, un contrabajo, un armonio y un piano) junto a otros músicos locales, para esta agrupación realizaría arreglos de algunas de sus composiciones para piano además de ofrecer una alternativa para interpretar música sinfónica de manera compacta. Para mediados de 1911, tras el triunfo de la Revolución maderista, fue designado profesor de música del Instituto Científico y Literario (el antecedente más remoto de la UAEH) por exhorto del gobernador Jesús Silva, gracias al puesto Pomar pudo gozar de una vida más estable que le permitiría componer con holgura y regocijo, en 1912 escribiría su primera obra sinfónica, el Concierto para Piano y Orquesta (existen 3 versiones de este, varían en sus dotaciones instrumentales y en minúsculos cambios de la parte solista) dedicado a su estimada y magnifica alumna María Concepción Arias y la suite para piano El Ex-Convento de San Francisco en Pachuca, obra que presume ser la primera totalmente impresionista compuesta por un mexicano (el propio Pomar especifica en su autobiografía que -pese a nunca a ver salido del país- desde 1908 ya tenía conocimiento sobre la música de Claude Debussy y demás compositores europeos de avanzada) y aunque la intención de la pieza es más sensitiva que ilustrativa, sus cinco secciones (agregaría el primer movimiento en 1919) son un paseo a través de dicha construcción franciscana que data del siglo XVI (hoy en día el edificio alberga el Museo Nacional de la Fotografía y el Centro Estatal de las Artes de Hidalgo). De toda la producción pianistica la Sonata El Presagio es un éxito en el género y sin duda su mejor obra lograda para el instrumento, claramente afín a la estética romántica, fue compuesta entre enero y octubre de 1913 e igualmente dedicada a la señorita María C. Arias, aunque la obra posee en sus cinco movimientos títulos programáticos esta carece de argumento alguno, en cuanto a su Sonatina cabe destacar de ella que fue su última obra para piano y compuesta en 1934 en tiempos del nacionalismo en auge.

Antes de concluir tan solo quiero mencionar un comentario final. En 1936 José Pomar (contando con el apoyo de maestros y alumnos disidentes del CNM) fundó la Escuela Popular Nocturna de Música para Trabajadores y Obreros, institución que en sus inicios compartía el mismo inmueble que el Conservatorio (cuando este se ubicaba en la calle Moneda No. 16 del centro histórico) y razón principal por el cual Pomar se distanciaría y posteriormente (al fundarse el INBA) se enemistaría con Carlos Chávez (es increíble saber cuantos músicos se vieron relegados por el egocentrismo chavista), pese a ello, desde su creación se desempeñó como director y docente de esta, a escasas semanas de su muerte (ocurrida el 13 de septiembre de 1961) era el subdirector de la misma, en 1969 cambiaría de nombre y sería conocida como la Escuela Superior de Música del INBA (ah por cierto, actualmente Yo estudio en ella), también a Pomar se debe, cuando era oficial del Departamento General de Bellas Artes (1915/16), las creaciones del Conservatorio de Guanajuato en 1915 (desde 1952 es parte de la Universidad de Guanajuato) y del Conservatorio de Puebla en 1917 (eso de fundar escuelas vaya que fue una constante en su vida).

José Pomar (1880-1961)
"El Juglar" (1898)
"La Quimera" Suite (1899/1902)
Mazurka No. 1 en La menor (1903)
Mazurka No. 3 en Fa sostenido menor (1908)
Sonatina (1934)
Preludio No. 3 en Sol mayor (1907)
"El Ex-Convento de San Francisco en Pachuca" Suite Impresionista mexicana (1912/19)
"El Presagio" Sonata en Fa sostenido menor (1913)

Piano: Daniel Noli
259 MB
EAC:FLAC+Cue+Log & Covers


Y por cierto, José Pomar en 1911 y 1913 se vería en la necesidad de dejar el lápiz y papel pautado por un fusil y municiones para luchar dentro de la Revolución, de ahí porque su sentir tan directo con el proletariado.

jueves, 12 de octubre de 2017

Música de España


Estimados y Estimadas, hoy es el Día de la Raza, una fecha muy importante porque la humanidad rinde tributo a su ascendencia ibérica heredada principalmente en todos los países luso-hispánicos del mundo, una identidad cósmica cuya Visión engloba los mejores elementos de los linajes culturales através del tiempo y el espacio, al comprender y aceptar esta afirmación, nuestro derecho divino es el espíritu universal que unifica y fortalece el entendimiento entre todos los millones de seres inteligentes que deseamos el bien común, pero paradójicamente, en nuestra era moderna y en contra de la buena voluntad se han erigido dos gigantescos antagonistas a estos bellos principios, la Globalización que manipula y tergiversa la Historia de la Naciones a su libre conveniencia (justificando así el Neoliberalismo Económico), y la Política Interior de emancipación marxista (la Social Democracia) que se encarga de confundir y dividir al Pueblo en ideologías y regionalismos estúpidos que nunca conducen a buenos términos.

Este comentario es mi manifiesto opositor ante los acontecimientos independentistas que Cataluña ha vivido en estas últimas semanas, expreso mi solidaridad y mi deseo de una España unida. A mis iguales.

Joaquín Turina (1882-1949)
"La Procesión del Rocío" Poema Sinfónico Op. 9 (1912)
"La Oración del Torero" Op. 34 (1925, versión para Orquesta de Cuerdas 1926)

Enrique Granados (1867-1916)
Nos. 2, 5 & 6 de "Danzas Españolas" Op. 37 (1892/99, Orq. de Joan Lamote de Grignon 19??)

Isaac Albéniz (1860-1909)
"Catalonia" Rapsodia Sinfónica (1899)

Enrique Granados
Intermezzo de la Ópera "Goyescas" (1915/16)

Manuel de Falla (1876-1946)
Danza No. 1 del segundo acto de la Ópera "La Vida Breve" (1904/05-09/12rev.)
"El Amor Brujo" Ballet Suite (1914/15-16/20revs.)

Director: Enrique Bátiz
Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México
263 MB
EAC:FLAC+Cue+Log & Covers

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domingo, 8 de octubre de 2017

Clásicos Colombianos del Siglo XX Vol. V


Considero que es menester iniciar las publicaciones de la presente antología porque ya es tiempo de tener un poco de perspectiva con respecto a la música clásica colombiana en su libre transito a través del siglo XX, sin embargo, he decidido invertir el orden de los volúmenes (del 5 al 1) para mejores efectos progresivos en nuestra escucha. Bien, como ustedes habrán de notar, el álbum de hoy comienza con una miniatura compuesta a finales del siglo XIX, los Albores Musicales de Santos Cifuentes, primera obra orquestal del primer compositor egresado (en 1894) de la Academia Nacional de Música (fundada en 1882), fue escrita bajo la enseñanza de Augusto Azzali, compositor, director de orquesta y empresario italiano llegado a Bogotá en 1891 junto a su afamada compañía de ópera (con la cual viajaría por toda América) y que al poco rato se incorporaría como docente a la institución anteriormente citada hasta 1895 (curiosamente Azzali se establecería en México apartir de 1903, siendo desde su llegada director del Teatro Principal de Guadalajara y desde 1905 director de la Banda del Estado de Jalisco hasta su muerte, ocurrida durante una gira en los Estados Unidos en 1907), por otro lado, la Marcha Triunfal de Daniel Zamudio fue compuesta para conmemorar el primer centenario de la Batalla de Boyacá, suceso que marcaría el fin del Virreinato de Nueva Granada y el inicio de -décadas de más guerras internas en- una Colombia independiente. El resto de obras pertenecen a una temporalidad más próxima a la nuestra, en ellas se aglutinan varios estilos e influencias de corte popular y docto.

Santos Cifuentes (1870-1932)
"Albores Musicales" Trozo Sinfónico Op. 36 (1893)

Daniel Zamudio (1885-1952)
Marcha Triunfal (1919)

Jaime León (1921-2015)
Variaciones sobre un tema de Georges Bizet (1986)

Jaime Torres (n.1955)
Tonos Sinfónicos (1987)

Andrés Sánchez (n.1960)
"Tierras Olvidadas" Suite para Orquesta (1992)

Juan Antonio Cuellar (n.1966)
Ficción (1990)

Diego David Vega (n.1968)
Sinfonía en un Movimiento (1993)

Director: Federico García Vigil
Orquesta Sinfónica [Nacional] de Colombia
321 MB
EAC:FLAC+Cue+Log & Covers

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miércoles, 4 de octubre de 2017

Carrillo: Romantische Orchesterwerke


Hoy tengo el placer de compartirles un álbum verdaderamente imprescindible en sus colecciones y que deberá arrancaros una sonrisa cuando lo escuchen (o si les produjese algo más que mejor), pues reconocerán inmediatamente que tales obras solo pudieron haber sido creadas por la mano de un autentico genio y que Enhorabuena Camaradas!! ya tocaba ocasión de hablar sobre el, se trata de Julián Carrillo, uno de los más ilustres músicos que haya nacido en toda la historia de México y uno de aquellos 'personajazos' del cual todos los mexicanos podemos sentirnos orgullosos, sus logros van más allá del merito artístico, además de la música también incursionó en las Ciencias, en especial todo lo relacionado a la Acústica (no es casualidad que fuera nominado al Premio Nobel de Física de 1950 por sus análisis de nodos, estudios que se materializarían en su libro Dos leyes de física musical), otras de sus grandes glorias, en su faceta como intérprete, fue haber obtenido el primer lugar Cum laude en el Concurso interno de Violín  convocado a la sazón por el Real Conservatorio de Gante (Bélgica) efectuado el 20 de julio de 1904, pero vale, retrocedamos un poco para comprender aún más la magnitud y relevancia de tan extraordinario artista.

El último cuarto del siglo XIX es la dorada época del Porfiriato, tiempos donde la Paz (interrumpida por temporadas), el Orden (difícil de lograrse en una sociedad acostumbrada a los excesos y los vicios) y el Progreso (a expensas de la Libertad) marcarían los pilares de la vida política, económica y cultural del país en todo lo ancho y largo de su extensión, de vital importancia era que México se presentara ante los ojos del mundo como un país civilizado y afín de las tendencias artísticas más influyentes de su momento (osea, emular cualquier caprichosa moda europea, principalmente francesa). En cuanto a los músicos que se consagraron y liderearon este periodo podemos mencionar dos casos, Ricardo Castro y Julián Carrillo, este último, principal heredero de la vida musical porfiriana cuya  insignia -le costaría un precio muy caro en el México posrevolucionario e institucionalizado de los años 30's en adelante y más aún, se agravaría su imagen tras sus conflictos personales con Carlos Chávez y su enemistad con la oligarquía del INBA - la llevaría en alto, con firmeza y con honra, pues cabe destacar que Carrillo siempre estuvo muy agradecido con Don Porfirio Díaz y su distinguida esposa Carmen Romero Rubio, quienes (junto al ministro de educación Joaquín Baranda) esencialmente gestaron y financiaron sus estudios en Alemania y Bélgica entre 1899 y 1904, pero no sin antes haber realizado sus primeras lecciones en su natal San Luis Potosí de 1885 a 1895 bajo la tutela de Flavio F. Carlos para luego continuar de 1895 a 1899 en el CNM con los maestros Pedro Manzano (violín), Melesio Morales (composición) y Francisco Ortega y Fonseca (física, matemáticas y acústica). La fama de Carrillo comenzó el 23 de marzo de 1899 en una asamblea del Congreso de la Unión que celebraba la entrega de reconocimientos a los estudiantes de excelencia académica de todas las escuelas profesionales de México, en su recital, ofrecido en la Cámara de Diputados y ante las autoridades gubernamentales de la Nación, fue aplaudido y galardonado en un sinfín de elogios por sus donairosas e impecables interpretaciones en el Violín, pocas semanas después sería acreedor de una beca para marchar hacia el viejo mundo.

Carrillo organizó una serie de conciertos para recaudar fondos previo a su partida hacia Europa, en el penúltimo de ellos estrenaría su Primera Suite Op. 1 dirigiendo a la Orquesta del CNM el 4 de junio de 1899 (en su último concierto, organizado 4 días después, estrenaría con la misma agrupación su Marcha México dedicándola a su maestro Don Melesio Morales). Arribaría a Europa hacia finales de julio pasando un par de semanas en París (esperando ingresar al Conservatorio de dicha ciudad pero fue rechazado debido a su edad) para después trasladarse hacia Leipzig, donde sería violín de fila en la Gewandhausorchester e iniciaría estudios superiores en el Königliches Konservatorium der Musik desde octubre de 1899 y concluyendolos hasta el primer cuarto de 1902, en los casi tres años en su paso por tan prestigiosa institución estudiaría con Hans Becker (violín), Johannes Merkel (piano) y Salomon Jadassohn (teoría musical y composición), en la clase de este último compondría 2 obras (e iniciaría una tercera), su Tema con Variaciones Op. 2 estrenado en el transcurso de sus exámenes finales de primer año en 1900 y su Sexteto para Cuerdas Op. 3 estrenado en el mismo concierto que se presentó su encantadora y emotiva Primera Sinfonía Op. 4 (dedicada a nuestro querido General Porfirio Díaz), la cual fue revisada bajo la tutoría de Carl Reinecke debido a la muerte de Salomon, fue estrenada el 14 de marzo de 1902 en la Gewandhaus por la Orquesta del Real Conservatorio de Leipzig dirigida por su autor en ocasión de su último examen de oposición. Después de haberse graduado con honores partiría hacia Bélgica para ingresar de julio de 1902 a julio de 1904 al Conservatoire royal de musique de Gand en la clase de violín de Albert Zimmer. Entre estas y otras actividades, conocería a Claude Debussy -además de otros afamados compositores europeos- en el Congreso Internacional de Música (representando a México pero sin carácter oficial) celebrado en París del 23 al 30 de julio de 1900, en el propondría innovadoras reformas con respecto a la enseñanza del solfeo y a la pedagogía musical en general que, según las fuentes que documentaron el evento, fueron bien acogidas por la mesa directiva que presidia Camille Saint-Saëns.

A su regreso a México en septiembre de 1904 sería recibido con los brazos abiertos por toda su familia y amigos, sus maestros del CNM le rendirían homenajes por su éxito y las autoridades gubernamentales reconocerían que había dejado una buena impresión de México en el extranjero, por ello Don Porfirio Díaz le obsequió en el nombre de la Nación un Violín Amati por su buen desempeño, mismo que tocaría y atesoraría por el resto de su vida. Así que redondeando, el presente álbum es una mera introducción al pensamiento musical de Julián Carrillo, por una parte a la moda francesa (Op. 1) y por otra a la escuela alemana (Opp. 2 y 4), juzgad siempre todo lo que os digo. Auf widersehen, Freunde!

Julián Carrillo (1875-1965)
Sinfonía No. 1 en Re mayor Op. 4 (1901/02)
Tema con Variaciones Op. 2 (1899)
"Bagatelas" Suite No. 1 para Orquesta Op. 1 (1896/99-1901-31revs.)

Director: José Miramontes Zapata
Orquesta Sinfónica de San Luis Potosí
346 MB
EAC:FLAC+Cue+Log & Covers


Por cierto, en toda la historia musical de México no existe más gigantesco Taboo que todo aquello relacionado con Julián Carrillo y su teoría del Sonido 13, a su debido momento escribiré una reseña sobre tan polémico tema que deseo la esperen con ansias.

domingo, 1 de octubre de 2017

RE:Williams: Sinfonía No. 7, Poema del Iguazú


Entre los grandes maestros del continente Alberto Williams es dignamente estimado como el padre de la música argentina, y si bien es fácil decirlo, resulta aún más fascinante su caso al tener en consideración las múltiples facetas que ejerció en vida y obra. Fue el primer compositor y pianista argentino que obtuvo fama, prestigio y reconocimiento por parte del medio musical europeo, en su tierra natal sería pionero de la pedagogía musical en todos sus saberes a la vez que dejaría una imborrable huella al fundar en 1893 el Conservatorio de Buenos Aires (el primero de su tipo en toda la república) ejerciendo su dirección hasta 1941, además fue poeta (muchas de sus obras están inspiradas en sus propios versos), arduo escritor con una prodigiosa labor periodística y observador de los cielos, pues era aficionado a la Astronomía y materias relacionadas (entre sus vastos apuntes documentó el paso del Cometa Halley en 1910 al igual que otros fenómenos del espacio, se inspiraría en ellos para algunas obras).

Nació el 23 de noviembre de 1862 en Buenos Aires en el seno de una familia donde la música era parte fundamental del ambiente hogareño, su madre Eloísa Gabriela fue hija del compositor Amancio Alcorta (figuró en la historia argentina también como político y economista) mientras que su padre Jorge Orlando era hijo de Benjamin Williams, inmigrante ingles del cual se presume que también era músico. A sus 8 años iniciaría estudios de piano y teoría musical con Pedro Beck (inmigrante alemán), quien sería su tutor hasta su ingreso en 1876 a la Escuela de Música y Declamación de la Provincia de Buenos Aires donde estudiaría con Nicolás Bassi (armonía) y Luis Bernasconi  (piano), se graduaría 4 años después. En 1882 obtuvo una beca por parte del gobierno argentino para que realizara estudios superiores en el Conservatorio de Música de París, en tan célebre institución serían sus maestros Georges Mathias (piano), Auguste Durand (armonía), Ernest Guiraud (contrapunto), Benjamin Godard (música de cámara) y -el más destacado e influyente- César Franck (composición), por esta época publicaría sus primeras obras para piano y bajo la estricta tutela de Père Franck compondría su primera obra orquestal, la Obertura de Concierto Op. 15, regresaría a la Argentina en diciembre de 1889.

Al poco tiempo de su llegada emprendería un sinfín de actividades, viajaría por toda la Pampa recopilando y transcribiendo música de gauchos, danzas criollas y cantos populares, a su vez guardaría sus impresiones del campo y la sierra para futuros trabajos. Al fundar el Conservatorio emplearía en el a los maestros más respetados de Buenos Aires haciendo que se matricularan más de 500 alumnos en su primer año, rápidamente se convirtió en la institución más notoria de su entorno. Otras de sus labores fue haber sido Presidente de la Comisión Nacional de Bellas Artes, director de la Asociación Argentina de Conciertos y miembro de la Academia Nacional de Bellas Artes. En 1921 fundaría La Quena, una revista trimestral que publicaba una diversidad de artículos de opinión, ensayos pedagógicos, notas periodísticas de corresponsales extranjeros, etc. apartir de 1928 se tornaría en una editorial  musical que publicaba sus obras y de otros compositores argentinos.

En el álbum de hoy nos encontramos ante dos interesantes partituras del maestro Williams, la primera es la Séptima Sinfonía que esta inspirada en una Balada (escrita por el propio Williams) titulada Eterno Reposo, narra un imaginativo cortejo de un hipotético faraón del antiguo Egipto al ser llevado a la Gran Pirámide, esta dedicada a sus abuelas (Fanny Blackett y Carlota Palacio) y fue estrenada en el Teatro Colón por su Orquesta Estable dirigida por José Gil el 23 de noviembre de 1937 en un concierto-homenaje que conmemoraba el 75° cumpleaños del compositor (en aquella ocasión también se estrenó su Sinfonía No. 6, titulada La Muerte del Cometa e inspirada en sus observaciones del Halley), la otra obra incluida es el Poema del Iguazú, el tercero de sus poema sinfónicos (aunque este sigue la estructura -un tanto libre- de una Sinfonía) e inspirado en un viaje que hizo el compositor a sus casi 80 años hacia las imponentes Cataratas del Iguazú, aquella experiencia se manifestaría en dos obras, un libro de versos escrito en 1942 y nombrado Poema del Iguazú del cual al año siguiente se basaría para componer la Sinfonía programática del mismo mote. Bueno, sin decir más, les dejo la música.

Alberto Williams (1862-1952)
Sinfonía No. 7 en Re mayor "Eterno Reposo" Op. 107 (1937)
"Poema del Iguazú" (Sinfonía programática) Op. 115 (1943)

Director: Adrian Leaper
Orquesta Filarmónica de Gran Canaria
247 MB
EAC:FLAC+Cue+Log & Covers

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martes, 26 de septiembre de 2017

RE:Revueltas: Troka


En los primeros años de 1930 la chispa del estridentismo estaba en su punto de mayor ebullición y éste ya no era -como en sus inicios- solo un movimiento literario de vanguardia, su influencia había llegado a manifestarse en otras disciplinas, especialmente en las artes visuales (Pintura y Grabado), pero en cuanto a Música se refiere, existió un único y singular caso, uno donde Germán List Arzubide y Silvestre Revueltas colaborarían para un programa radiofónico auspiciado por la XFX (actual Radio Educación) el cual daría Luz y Vida al poderoso Troka, un gigantesco robot que enseñaba a los niños las ventajas y desventajas de la tecnología en un mundo moderno e industrializado, pero antes de continuar, me es debido darles una muy breve crónica de la Radio en México.

Hace 100 años, en plena Revolución, el gobierno de Venustiano Carranza instaló en las cercanías del Castillo de Chapultepec la primera planta de alta potencia (200,000 watts) que había sido donada por, nada más y nada menos, que el mismísimo Káiser Guillermo II de Alemania, esto debido a que en México durante el conflicto revolucionario se habían destruido la casi totalidad de las vías telegráficas, dejando al país prácticamente incomunicado con el exterior, el manejo de esta Antena fue muy discreto (algunos historiadores afirmarían que nunca se usó), principalmente por que el gobierno de los Estados Unidos presionó (hasta los cojónes!!) para que fuera desmantelada (naturalmente, aún eran tiempos de la Gran Guerra y esta táctica alemana ponía de nervios a los gringos), años después, la década de los 20's marcaría el inicio de la radiodifusión en México, del 27 de septiembre de 1921 a mediados de enero de 1922 los hermanos Adolfo y Pedro Gómez Fernández transmitieron el primer programa musical que pudo ser escuchado en la Ciudad de México. En julio de 1922 nació la estación JH, oficialmente la primera del país y propiedad de la Secretaría de Guerra y Marina, y al año siguiente, la estación CYL, propiedad del periódico "El Universal Ilustrado" (cuya primera emisión se realizó el 8 de mayo de 1923 en punto de las 20:00 hrs. presentando un recital protagonizado por Manuel M. Ponce a la vez que participaron el guitarrista español Andrés Segovia, el pianista Manuel Barajas y la cantante Celia Montalbán, además de una lectura de poemas realizada por Manuel Maples Arces). Llegado 1924 se fundó la estación XFX por iniciativa de José Vasconcelos en sus funciones como secretario de educación pública (su primera transmisión fue el 1° de diciembre de aquel año en la toma de protesta de Plutarco Elías Calles como presidente de la república) y por último, el 18 de septiembre de 1930 se registraría la primera transmisión de la nefastisima XEW (conocida hoy como "W Radio" con ello la dinastía Azcarraga y su mundo de farándula crearían los cimientos de Televisa, que asco!!), dicho todo esto, regresemos al tema anterior.

Troka es el espíritu de las máquinas y la perfección de la inteligencia humana, un poderío que se puede apreciar en todo su cuerpo, su cabeza es una antena de radio, sus ojos dos enormes focos, su boca una bocina, su torso y sus piernas unas placas de metal unidas por gigantescos tornillos, su corazón una pieza de engrane, su brazo derecho es una pala mecánica mientras que el izquierdo es una grúa de poleas, su pie izquierdo un tractor y el derecho una locomotora (Sí Señor! como me encantan los Trenes!) y si aún esto no bastara, lleva a sus espaldas unas alas de avión. Este fabuloso personaje fue inventado por el poeta estridentista Germán List Arzubide en 1932 al escribir una serie que tituló Troka, el Poderoso: Cuentos de vanguardia para niños modernos, mismos que el propio List Arzubide relataba al aire en su programa de radio los días martes, viernes y domingos del bimestre mayo-junio de 1933 y transmitido por la estación XFX, previo a esto, el literato se puso en contacto con Silvestre Revueltas para el encargo de una música incidental para su espacio en la radio, sobra decir que el compositor harto se entusiasmó con la idea escribiendo velozmente dos pequeños movimientos (Introducción y Marcha) para tal propósito. No obstante, Revueltas creía firmemente que los cuentos de Troka tenían un potencial mayor y por ello propuso a List Arzubide la creación de un ballet-pantomima para títeres que, desafortunadamente, no se llevó acabo, sin embargo Revueltas revisó su partitura y añadió tres números más (Danza de Troka, Ronda infantil y Danza del Trabajo) a esta especie de Suite que, según el musicólogo Eduardo Contreras Soto sugiere en su libro Silvestre Revueltas: en escena y en pantalla, fue coreografiada y escenificada por Gloria Campobello y Leopoldo Méndez, respectivamente, en el transcurso de la segunda mitad de 1935.

Así que en conclusión, el valor del personaje de Troka radica en haber sido el primer programa de radio orientado hacia el público infantil de México, con ello la XFX englobaba en su sistema educativo de corte socialista una programación para maestros, estudiantes, obreros, campesinos y niños, tal cual como Vasconcelos la había diseñado una década atrás (su único "Error" fue no haber incluido en su Grandioso Proyecto Educativo a las clases indígenas del país) y además, por añadidura, sería la fuente de inspiración para la primera obra escénica (en este caso, un Ballet estéticamente modernista e infantil  al mismo tiempo) de Revueltas, en verdad toda una genialidad. Sintonicense.

Silvestre Revueltas (1899-1940)
"Colorines" Poema Sinfónico (1932)
Música para Charlar (1938, Suite de Erich Kleiber 1944)
"Caminos" Poema Sinfónico (1934-36rev.)
"Troka" Pantomima infantil bailable (1933)
"Batik" para Flauta, dos Clarinetes y [Cuarteto de] Cuerdas (1926)
"Redes" (1935, Suite de Erich Kleiber 1943)

Director: Jorge Pérez Gómez
Moravian Philharmonic Orchestra
299 MB
EAC:FLAC+Cue+Log & Covers


Un aporte más de mi Tío Francisco, gracias!!

domingo, 24 de septiembre de 2017

RE:Chávez: Sinfonías Completas


Me resulta toda una ironía que habiendo sido Carlos Chávez uno de los músicos mexicanos más representativos de su contexto mundial y que además siendo una figura esencial para la comprensión del modernismo en el arte latinoamericano, percibo tras una atenta y escrupulosa escucha que todas sus Sinfonías suenan tan neoclásicas y europeas (por supuesto con un toque personal) para alguien que pugnaba ser un principal representante del Panamericanismo musical continental (tendencia que fijaba en sus fundamentos no sonar a Europa), la excepción como todos bien saben, es la Sinfonía India, por antonomasia, la obra más difundida, grabada y característica de su autor, con ella incursionó en el indigenismo musical (vertiente colateral al nacionalismo) que es a mi consideración, la faceta más simple, poco convincente y definitivamente, deshonesta que pudo haber tenido Chávez en toda su carrera compositiva (realmente no tenía convicción ni atracción por la música autenticamente indígena). Dirán algunos, ¿quien diantres se cree aquel que escribe estas barbaridades?....Pues la verdad, solo soy un melómano debidamente informado y es mi deber decir lo que algunos se callan, en este caso, hacerles saber que el indigenismo de Chávez es (una ramera domesticada por el establishment) superfluo, chafa e irreal (toda la Sinfonía India es meramente Pentafonía, su imaginario indigenista es, salvo por las melodías yaquis, huicholes y seris sobre las que se basa, europeo de inicio a fin).

Pero para nada crean que mi intención es arremeter contra la respetable figura de Don Carlos Chávez, es por ello que hoy de un solo tirón, comparto con ustedes todas sus Sinfonías (enumeradas) en esta práctica y oportuna antología protagonizada por el magnifico Eduardo Mata al frente de la intachable Orquesta Sinfónica de Londres, excelsos registros para oídos críticos (como los míos y los de ustedes).

Carlos Chávez (1899-1978)
Sinfonía No. 1 "Antígona" (1932/33)
Sinfonía No. 2 "India" (1935/36)
Sinfonía No. 3 (1951/54)
Sinfonía No. 4 "Romántica" (1953)
Sinfonía No. 5 para Orquesta de Cuerdas (1953)
Sinfonía No. 6 (1961/62)

Director: Eduardo Mata
London Symphony Orchestra
561 MB
EAC:FLAC+Cue+Log & Covers


Muchas gracias a Beto por este aporte. Por cierto, si se preguntaran ¿que indigenismo puede considerarse honesto? La respuesta es Candelario Huízar.

viernes, 22 de septiembre de 2017

RE:Villa-Lobos: Piano Concertos


Voluntad de poder e Impulso creador fijan la convicción de un auténtico artista, al tratarse de un músico de la envergadura de Heitor Villa-Lobos no hay duda alguna de que su Pensamiento musical hace gala de aquellas virtudes, no por nada su nombre resalta, entre los grandes compositores de América, como uno de los más prolíficos del continente y es a su vez la personalidad musical de mayor trascendencia que haya nacido en Brasil, por si fuera poco, su influencia y prestigio ayudó (junto a otras figuras antecesoras y coetáneas de la escena artística local) a que diversos estilos como la Samba, el Chôro o el Lundú se dignificaran, tanto en su manifestación musical como dancística, en expresiones de identidad nacional en tiempos donde la segregación racial y la desigualdad social eran una realidad en todos los ámbitos de la vida cultural brasileña.

Muchas, o quizás la mayoría, de las obras escritas por Villa-Lobos son de carácter programático, de inspiración deliberada en el folklór o sobre la música popular urbana, especialmente de Rio de Janeiro (sitio donde nació y murió), en menor numero, pero no por ello menos interesantes, se encuentran obras que se distancian de las tendencias anteriormente mencionadas y que escolásticamente se denominan como música pura, dentro de esta inclinación se hayan los Cinco Conciertos para Piano (todos ellos en cuatro movimientos, estructuralmente parecen más Sinfonías con Piano) que fueron compuestos en la última fase creadora de su autor. En mi sano juicio, considero el Concierto No. 2 (por su ingeniosa orquestación y su claridad melódica) y el Concierto No. 5 (por su concentrado lenguaje intrapersonal además de ser el más perfilado en la corriente del neoclasicismo universal) como los mejor logrados. Ich lebe noch, Ja!!

Heitor Villa-Lobos (1887-1959)
Concierto para Piano y Orquesta No. 1 (1945)
Concierto para Piano y Orquesta No. 2 (1948)
Concierto para Piano y Orquesta No. 3 (1952/57)
Concierto para Piano y Orquesta No. 4 (1952)
Concierto para Piano y Orquesta No. 5 (1954)

Piano: Cristina Ortiz
Director: Miguel Gómez-Martínez
Royal Philharmonic Orchestra
573 MB
EAC:FLAC+Cue+Log & Covers

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jueves, 14 de septiembre de 2017

Guatemala Vol. 2: Ricardo Castillo


América Latina es la tierra del Realismo Mágico (lo digo en su sentido más literal, si vivieran en la Ciudad de México seguro entenderían el surrealismo) y una prueba elocuente de aquella afirmación son las antiguas leyendas de los Quichés de Guatemala, quienes de entre todos los pueblos amerindios del continente, fueron los únicos que nos legaron un documento de trascendencia histórica y que deja entrever su compleja a la vez que fascinante visión del universo, Popol Vuh, el libro del consejo, es una lectura que nos revela el Mito de la Creación, una serie de sucesos extraordinarios donde las deidades mayas y las fuerzas sobrenaturales de dimensiones inexistentes consolidan el nacimiento del hombre y moldean el Mundo en el que vivimos junto al Sol, la Luna y las Estrellas, todos los relatos son fantásticos, pero hay uno en especial del cual quisiera hablaros y es uno que narra las andanzas de La Doncella Ixquic, así que hay les va el cuento

Los amos del bajo mundo de Xibalbá, molestos y celosos de que el dios de la fertilidad e hijo del cielo Hun-Hunahpú ha creado para sus iguales y descendientes "el juego de pelota", han determinado asesinarlo como muestra de su desdén, para ello deciden invitar a él y a su hermano Vucub-Hunahpú a los aposentos del reino para una ofrenda en su honor, pero la perfidia no permanecería oculta por mucho rato, ambos serian torturados e inmolados hasta causarles la muerte, de sus restos crecería un árbol de jícaras que en lugar de dar frutos daría cráneos y del cual yacería entre su enramada la cabeza de Hun-Hunahpú, así pasarían la noche de los tiempos hasta que esta historia llegó a los oídos de Ixquic, hija de Cuchumaquic y señor de Xibalbá, quien tras haber escuchado de viva voz de su padre la leyenda del dios caído, queda maravillada y va en busca de la cabeza, para su sorpresa, aún yace entre las ramas el inanimado cráneo y a la vez se siente tentada a tomarla, pero justo antes de tocarla, la cabeza le habla preguntándole si por ventura desea hacerse con el fruto del árbol, ella gustosamente acepta haciendo que el cráneo expulse de sus entrañas una saliva que cae en la palma de su mano, después de ello la cabeza se desvanece pero el ultimo atisbo del espíritu de Hun-Hunahpú le declara que ahora ella, Ixquic es la portadora de su descendencia, pues en su vientre virgen se engendrarán los héroes que traerán consigo el despertar de la humanidad, llamados Hunahpú e Ixbalanqué, los dioses gemelos, pero en cuanto a ellos, ya es otro cuento.

Todo lo anterior es porque el álbum de hoy que se centra en la música de Ricardo Castillo (posiblemente el compositor que más se inspiró en la mitología maya para escribir sus obras) contiene un poema sinfónico titulado La Doncella Ixquic, que más allá de seguir linealmente el argumento anterior (la obra inicia con un ambiente de Erase una vez), esta obra pareciese que retratara la pasión de lo eterno femenino adherente en todo ser vivo creado. Por otro lado, las demás obras son igualmente interesantes, especialmente el poema coreográfico Paál Kabá (del cual por más que busqué, no logré dar con su argumento) que musicalmente goza de independencia y originalidad, este ballet maya se estrenó (sin montaje escénico) el 14 de septiembre de 1956 por la Orquesta Sinfónica Nacional de Guatemala bajo la batuta del destacado director y violinista Andrés Archila (concertino de la National Symphony Orchestra of Washington DC de 1959/84).

Ricardo Castillo (1894-1966)
"Paál Kabá" Ballet (1951)
"Estelas de Tikal" Fantasía Sinfónica sobre temas folklóricos guatemaltecos (1945)
Música Incidental para el drama de Carlos Girón "Quiché Achi" (1947)
"La Doncella Ixquic" Poema Sinfónico (1944)
Abstracción (1965)
"Instantáneas Plásticas" para Orquesta (1963)

Director: Antonio de Almeida
Moscow Symphony Orchestra
274 MB
EAC:FLAC+Cue+Log & Covers

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lunes, 11 de septiembre de 2017

RE:Guastavino: Obras Sinfónicas


"Compongo música porque la amo, amo la melodía, amo cantar. Y he comprobado con gusto que allá fuera hay una audiencia que está muy interesada en mi música cuando la publico. ¡Eso es fantástico! Me niego a componer música solo para ser descubierta y entendida por generaciones futuras"

Las lineas anteriores corresponden al manifiesto artístico de Carlos Guastavino, un músico que en todos sus matices adoraba la vida, un espíritu romántico que ofrendaba todo su Arte al servicio de la belleza, un compositor que sino se le encontraba escribiendo alguna nueva obra se distraía con sus libros y accesorios de Química y, de vez en vez, jugaba a ser niño, no obstante era un hombre alto de pocas palabras (irónico en alguien que escribió tantas canciones), introvertido y porte serio, uno de esos casos inusuales donde la fama y el reconocimiento llegan por cuenta propia ante el artista a su puerta, pero él, Guastavino, con su modesta personalidad ermitaña, prefiere, ya estando en sus últimos años, quedarse en el hogar dentro de su pequeño y acogedor estudio recordando mejores tiempos.

Al momento de haber dejado este mundo, Guastavino consolidó un catálogo de más de 350 obras de las cuales un mínimo aproximado de 150 son del género vocal y canciones, algunas de ellas tan célebres (como La rosa y el sauce, Se equivocó la paloma o Pueblito, mi pueblo) causaron tal furor en la sociedad argentina de los años 40's y 60's, a tal grado que nadie había (o en verdad muy pocos) en toda la Argentina a quien su nombre resultara desconocido. No por ello debemos considerar a Carlos Guastavino como un artista de corte popular, para nada, sino que fue un compositor que llegó a trabajar personalmente con figuras tan inminentes de la literatura de habla hispana como Rafael Alberti, Gabriela Mistral, Pablo Neruda, Jorge Luis Borges, entre otros, y cuya música estuvo siempre en contacto cercano a su gente, a su pueblo, a la tierra que lo vio nacer y a la identidad nacional que debía corresponder.

Guastavino desarrolló un lenguaje musical afín del romanticismo tardío a la vez que corresponde a la linea trazada por sus predecesores nacionalistas del siglo XIX, Alberto Williams, Carlos López Buchardo y Julián Aguirre. Su pensamiento estético y crítico era opositor al Grupo Renovación (1929-44) y al resto de corrientes artísticas que pugnaban por el atonalismo libre, la dodecafonía y las nuevas vanguardias en la música argentina, Guastavino fue diametralmente contemporáneo de Alberto Ginastera, quien destacaría por todas sus innovaciones modernistas, sería ideológicamente su opuesto en prácticamente todo.

Pero bueno, ya es momento de centrarnos en el álbum de hoy y eso es comentar sobre las obras sinfónicas de Carlos Guastavino, la primera de ellas son los Tres Romances Argentinos, obra emotiva, brillante y donairosa, su versión original para dos pianos fue escrita en 1946 antes de que partiera hacia Inglaterra para cursar estudios de perfeccionamiento en el Royal Academy of Music (1947-48) gracias a una beca otorgada por el Concilio Británico, en la capital inglesa daría a conocer en enero de 1949 la versión orquestal de sus Tres Romances Argentinos en un concierto ofrecido por la Orquesta Sinfónica de la BBC dirigida por Walter Goehr, por su parte, la Suite Argentina fue un encargo inesperado para la primera gira internacional del Ballet Español de Pilar López, la obra no tiene un argumento en especifico, son meramente cuatro escenas dancísticas que describen la Pampa y sus danzas folklóricas, la Suite se estrenó en el Teatro Avenida en agosto de 1952 con Pilar López y Roberto Ximénez en los papeles protagonistas, coreografía de Aurelio Molina, escenografía de Jorge Larco y Orquesta (de la propia compañía) dirigida por José María Franco (la reseña escrita por Fernando Emery para la revista Lyra enaltecía hasta las cimas este ballet nacionalista), en cuanto al Romance de Santa Fe, podemos considerarla como una elegía a la ciudad homónima donde Guastavino había nacido el 5 de abril de 1912, la obra se expresa en un sentimiento popular de alta finura con el Piano como figura principal, esta fantasía concertante tuvo dos estrenos, el primero de ellos en transmisión radiofónica el 25 de mayo de 1953 en las cabinas de Radio del Estado por su Orquesta de Cámara dirigida por Vieri Fidanzini, y el segundo de forma pública al año siguiente el 18 de julio en el Teatro Colón por la Orquesta Sinfónica de la Ciudad de Buenos Aires (actual OFBA) dirigida por Juan Emilio Martini, en ambas ocasiones su autor fue el solista, y por último, las Tres Cantilenas y Final, obra llena de nostalgia, son una reelaboración de tres (las Nos. 4, 6 y 10) de las Diez Cantilenas Argentinas (escritas para piano) con un final original, con ella concluye mi recomendación para la escucha del día de hoy.

Guastavino, el más destacado compositor del nacionalismo romántico del siglo XX, demostró con sus obras que más allá de Tango y Milongas, la música argentina es Poesía, murió el 28 de octubre del 2000 en su ciudad natal.

Carlos Guastavino (1912-2000)
"Tres Romances Argentinos" (1946, Orq. del compositor 1948/49)
"Tres Cantilenas Argentinas y Final" para Orquesta de Cuerdas (1965)
"Suite Argentina" Ballet (1952)
"Romance de Santa Fe" para Piano y Orquesta (1952/53)

Piano: Alexander Panizza
Director: Nicolas Rauss
Orquesta Sinfónica Provincial de Rosario
301 MB
EAC:FLAC+Cue+Log & Covers


viernes, 8 de septiembre de 2017

RE:Ponce: Conciertos


Hoy en día, en las escuelas de música abundan gente en demasía con el deseo de ser un As de la Guitarra más allá de si las intenciones de los y las intérpretes son del perfil clásico, jazz, rock, o cualquier otro género que venga en boga, y nada hay de malo en ello, por el contrario, pues cuando un instrumento es (por fisonomía y sonoridad) bello por naturaleza además que versátil, sencillamente no puede ser ignorado. En nuestra actualidad, la enseñanza de la Guitarra "con validez oficial y profesional" en instituciones de educación superior es algo convencional en toda aquella que ostente "de prestigio" proclamarse (en todo el mundo, ehh!!), pero por difícil que pareciese, estimados lectores, esto no siempre fue así.

Como bien sabéis, la Guitarra es descendiente directo de la Vihuela, lejanamente emparentada con el Laúd y procedente de España hacia el mundo, por ello, no debe sorprendernos que sea la nación de Cervantes la más relevante en cuanto a sus orígenes, su evolución y posteriormente, su consagración a través de los tiempos, si bien, los prototipos del instrumento (de 3 y/o 4 cuerdas) datan del siglo XIV, no será hasta finales del XVI que su presencia se hará notoria en toda la península Ibérica. En 1596, al ser publicado en Barcelona el método titulado Guitarra española y vandola, en dos maneras de guitarra castellana y cathalana de cinco órdenes (10 cuerdas) por Juan Carlos Amat (músico aficionado, médico de profesión y arduo escritor), podemos considerar esta fecha como el Preludio a su formal aparición en el siguiente siglo (por cierto, la guitarra española arribó a Francia en la primera década de 1600's por el gallego Luis de Briceño, el intérprete más respetado de aquella época -por lo menos sí hasta 1630-).

En la primera mitad del XVII, el Barroco en plenitud, figuras como Gaspar Sanz, Francisco Guerau en España, Nicolao Doici de Velasco en Portugal, Girolamo Montesardo, Giovanni Ambrosio Colonna en Italia y Francesco Corbetta en Francia, introducirían la Guitarra en los círculos más cultos de aquellos países, y apesar de que fue del gusto de la más altas esferas sociales (El Rey Sol la declaró como su instrumento predilecto), su aceptación en la música de cámara sería escasa y en la música sacra rotundamente derogada. El XVIII traería consigo nuevos adalides en la composición, interpretación y teorización, entre los cuales destacan, Santiago de Murcia, Antonio de Santa Cruz y Fernando Ferandiere, pero el más trascendental suceso para la Guitarra durante este siglo se efectuaría en 1788 en Weimar,  cuando el Luthier alemán, Jacob Augustus Otto, diseñó el prototipo de la Guitarra que hoy en día conocemos convencionalmente al incorporar su Sexta cuerda además de suprimir el viejo sistema de órdenes dobles por un innovador sistema de cuerdas simples, su propagación fue casi inmediata en toda Europa, ejemplo de ello, entre 1797-99 Luigi Boccherini sería de los primeros compositores en escribir música de cámara para Guitarra de seis cuerdas, sus cuatro Quintetos para Guitarra y Cuarteto de Cuerdas son muy probablemente, las obras más relevantes del clasicismo para el instrumento.

Ahora bien, después de todo lo inductivo al Tema, llegados al siglo XIX por fin trataré el punto que deseo tengan en mayor consideración: La Guitarra en el Conservatorio.

El Real Conservatorio de Madrid tiene el distintivo de ser la más antigua escuela -en cuanto a música se refiere a nivel superior- de España al ser fundado en 1830, a su momento de creación la Guitarra no era una opción que se ofertara al público interesado, esto ligeramente cambiaría en 1857 cuando se creó el puesto de "maestro honorario" que ocupó primeramente Miguel Carnicer (guitarrista catalán que sintetizó y perfeccionó dentro de su técnica las escuelas de Fernando Sor y Dionisio Aguado) a expensas de una paga mínima e influencia baja como docente en dicha institución, naturalmente, el puesto no era ni prestigiado ni codiciado por los intérpretes con mayor maestría en ejecución, pero la existencia de esta clase cumplía con la necesidad de llevar de alguna forma la Guitarra a las aulas del Conservatorio. En la década de 1870's entraría en escena una de las primeras grandes leyendas de la Guitarra moderna a nivel mundial, Francisco Tárrega (quienes hayan nacido en los 90's y hayan tenido un celular Nokia recordarán el Nokia Tune, que es en realidad los compases 13 a 16 del Gran Vals en La mayor de Tárrega), artista cuyo nombre, al igual que su música, son sinónimo de grandeza y originalidad, varias de sus obras son parte del acervo obligado de todo guitarrista que diga llamarse conocedor, su influencia ayudó para que a finales del XIX e inicios del siguiente, la Guitarra (de la vida rural campesina a las calles urbanas, pasando por tabernas y teatros de cuestionables reputaciones) llegara a ser apreciada en los recintos de mayor fama en Europa y luego, al resto del mundo.

Y hasta aquí puede que todo suene muy bonito, pero paradojicamente, en pleno siglo XX no había Institución alguna que ofreciera "estudios profesionales" en Guitarra en todo el orbe, esta situación no cambiaría hasta que en diciembre de 1935 el Real Conservatorio de Madrid ofició la Licenciatura en Guitarra designando a Regino Sainz de la Maza (afamado guitarrista a quien Joaquín Rodrigo le compondría y dedicaría su Concierto de Aranjuez) como profesor y jefe de academia aunque con un bajo perfil de maestro interino (?), lo insólito del caso es que esta Institución tardó más de 100 años desde su fundación en normalizar esta Cátedra, y eso que para la tercera década de 1900's ya habían dejado huella Maestros tan inminentes como Miguel Llobet, cuyo más famoso pupilo, Andrés Segovia es con toda seguridad, el más destacado guitarrista del siglo, pero también llamarían la atención Agustin Barrios y el anteriormente citado, Regino Sainz de la Maza. En México, el CNM decretaría el nivel superior en Guitarra en 1938, el yucateco Renán Cárdenas Pinelo sería el primer egresado de todo el país al aprobar su examen de oposición en 1939.

Todo lo anterior es solo una breve reflexión sobre la Guitarra para que tengan algo en que pensar cuando escuchen o toquen este bello instrumento, en cuanto al álbum de hoy les he de recomendar el Concierto del Sur de Manuel M. Ponce, compuesto a petición de Andrés Segovia y a quien la partitura esta dedicada, su titulo alude a la música andaluza del sur de España cuya influencia dentro de la obra se aprecia en los giros melódicos flamencos de la parte solista, su estreno se realizó en Montevideo, Uruguay el 4 de octubre de 1941 por la Orquesta del SODRE bajo la dirección Ponce y Segovia en la Guitarra.

Manuel María Ponce (1882-1948)
Concierto "Romántico" para Piano y Orquesta (1910/11)
Concierto "del Sur" para Guitarra y pequeña Orquesta (1941)
Concierto para Violín y Orquesta (1942)*

Piano: Guadalupe Parrondo
Guitarra: Alfonso Moreno
Violín: Román Revueltas
Director: Román Revueltas
Director: José Guadalupe Flores*
Orquesta Sinfónica de Aguascalientes
353 MB
EAC:FLAC+Cue+Log & Covers

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