martes, 25 de julio de 2017

RE:Jesús Echevarría


Al Son de motivos de danza de inspiración folklórica e invención propia, Jesús Echevarría recrea en estas Suites barrocas las sonoridades de la -antigua- Nueva España a la par que rinde homenaje a las figuras del arte musical virreinal como lo fueron Antonio de Salazar, Manuel de Sumaya y muchos otros. Los títulos de estas suites aluden a dos regiones de México -la Huasteca potosina y la Tarasca michoacana- sus movimientos que las conforman se basan en melodías tradicionales (Suite Huasteca) aunque también ilustran el ambiente local (Suite Tarasca). Ambas obras son para cuarteto de cuerdas con acompañamiento de Jaranas, las cuales dan un aire huapanguero animoso. Fandango pues!!.

Jesús Echevarría (n.1951)
Suite Huasteca para Cuarteto de Cuerdas y Jaranas (1992)
Suite Tarasca para Cuarteto de Cuerdas y Jaranas (2000)

Jaranas: Jesús Echevarría
Cuarteto de Cuerdas Ruso-Americano
224 MB
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domingo, 16 de julio de 2017

RE:Gomezanda: Obra Orquestal


"Hay personas que fueron testigos de este mundo en tiempos del pasado, nuestro presente sin memorias asegura conocerlos pero el futuro no lejano los oculta en su olvido, quienes con anhelo y devoción sus sueños a Fortuna ofrendaron, de los cielos y sus hijas las estrellas, un lugar en la Historia a ellos regalaron"

.....de los que con poca frecuencia se habla.....y escucha.....

¿Cuantos músicos mexicanos durante el siglo XIX se inclinaron por la influencia del romanticismo alemán? A decir verdad, salvo por el bohemio Ernesto Elorduy (1855-1913), prácticamente nadie, y no es que las obras y nombres de Beethoven, Schumann o Liszt -entre otros- fueran desconocidos por estos lares -por ejemplo, en aquel mismo siglo, Brasil, aun atada a las políticas de Europa y siguiendo los lineamientos de un Imperio (1822-1889) tendría como último monarca a Pedro II el Magnánimo, uno de los más íntimos admiradores de Richard Wagner, ergo, la influencia alemana en dicho país sería más que evidente- sino que esto se debe a un gusto desmedido por la Ópera italiana, las Zarzuelas y -cumpliendo las demandas más caprichosas de la alta sociedad- la música de salón (afrancesada, por supuesto).

Cuando en 1899, el gobierno de Don Porfirio Diaz becó a Julián Carrillo para que se instruyera en el Königliches Konservatorium der Musik zu Leipzig (la institución de enseñanza musical a nivel superior más antigua de Alemania) y así por primera vez tener un compositor mexicano educado a la alemana, la relación musical -sino hasta política- entre ambas naciones se haría más estrecha, seguirían este camino -en su primera estancia en el viejo mundo- Manuel M. Ponce (1906-08) y Arnulfo Miramontes (1908-09), ambos estudiarían en el Stern'sches Konservatorium der Musik zu Berlin coincidiendo en la clase de piano de Martin Krause (el inminente maestro del célebre Claudio Arrau), y no sería hasta la década de los 20' del siglo pasado que -después de haberse restaurado, más o menos, Europa tras la Primera Guerra Mundial- otro músico mexicano probaría suerte en tierras germanas, Antonio Gomezanda.

Nacido el 3 de septiembre de 1894 en Lagos de Moreno, Jalisco, el pequeño Toño iniciaría sus estudios de piano y solfeo en su ciudad natal con las maestras Josefina y Concepción Pérez respectivamente, al cumplir 13 años partió hacia la Ciudad de México y entre 1910-14 se convertiría en pupilo de Manuel M. Ponce en su estudio particular, en 1913 ingresaría al CNM para estudiar composición con Julián Carrillo y el 11 de julio de ese año se presentaría en la Sala Wagner y Levien en un memorable recital junto a otros discípulos de Ponce (entre los cuales se encontraba un joven Carlos Chávez), su debut como pianista profesional fue el 10 de Noviembre de 1915 en el Teatro Ideal (antiguamente ubicado entre las calles Lic. Primo Verdad y República de Guatemala en el centro histórico), por estos tiempos conocería al respetado filósofo José Vasconcelos, quien prontamente reconoció la calidad artística del muchacho y por ello le otorgaría -además de su protección- una beca para perfeccionarse en el extranjero (si bien la idea original era Francia, la Providencia tendría otros planes para el joven compositor)

Gomezanda emprendió su ida a Europa en los primeros meses de 1921, su primer destino sería París donde conocería a Édouard Risler, quien le organizó un recital en la Sala Érard el 23 de febrero de ese año, seguirían después una serie de conciertos por España, Austria, Hungría, Italia y Alemania. Al llegar a Berlín tomaría clases de composición con Ferruccio Busoni en la Preußische Akademie der Künste y al año siguiente, entablaría amistad con Richard Hagel, a la sazón, director de la Filarmónica de Berlín (1919-22), con dicha orquesta Gomezanda se presentaría como solista bajo su batuta, además de tomar con el clases de orquestación. Fruto de sus estudios europeos, compondría su Fantasía Mexicana (firmado su manuscrito el 23 de junio de 1922 en Berlín) basada en dos canciones populares jaliscienses (La Pajarera y Los Payasos, ambas datan de tiempos de la Revolución) y estrenada el 19 de julio -del mismo año- con la Filarmónica de Dresde dirigida por Willy Naue y el compositor como solista al piano, en un revés a México, aprovecharía la ocasión para estrenarla en su país el 21 de octubre de 1923 en el Teatro Abreu (otro de los recintos que hoy día ya no existen), esta vez su interpretación fue acompañada por la Orquesta Sinfónica Nacional (nada que ver con la actual e institucionalizada OSN) dirigida por Julián Carrillo, partiría nuevamente a Berlín y regresaría a México hasta 1925.

A principios de 1925 recibió el encargo de la compañía escénica de Erwin Piscator para la composición de Xiuhtzitzquilo, poema histórico-musical en forma de ballet-pantomima (como reza el manuscrito), compuesto -en una rapidez tan espontánea- entre el 1-25 de abril y entregado a su patrocinador a finales de este, su argumento se basa en una antigua leyenda mexica que tiene su acción en la última noche del ciclo de la Piedra de Sol (comúnmente le llamamos Calendario Azteca), su estreno tuvo que esperar un par de años, realizado en el Theather am Nollendorfplatz de Berlín el 9 de Febrero de 1928 con coreografía y vestuario de Ruth Allerhand y un elenco de arios danzantes, Richard Hasse-Held (la víctima sacrificada), Eva Schmidt-Walden (la doncella), Jenny Ahemm (la sacerdotisa del fuego) y Hermann Curtius (el sacerdote mayor), la obra arrancó de la crítica sus mejores elogios.

Años más tarde compondría sus Danzas Mexicanas, brillante obra para piano y orquesta que sintetiza en sus seis tiempos el folklore nacional de norte a sur y de costa a costa, su estreno se llevo acabo el 20 de Mayo de 1955 en el Teatro Degollado por la Orquesta Sinfónica de Guadalajara dirigida por Abel Eisenberg y su autor al piano (en el mismo concierto interpretó la versión revisada de la Fantasía Mexicana). Por último, en cuanto a Lagos, poema sinfónico que evoca imágenes de su natal Lagos de Moreno y a la par, homenajea en sus cuatro movimientos a distintas personas nacidas igualmente ahí, fue fruto del recibimiento de la medalla "José Clemente Orozco" por parte del gobierno del estado de Jalisco, se estrenaría en el Teatro Degollado el 21 de septiembre de 1956 con Arturo Xavier González en el cello, el compositor al piano y (a quien dedicaría la obra) la Orquesta Sinfónica de Guadalajara dirigida por José F. Vázquez. El Mtro. Gomezanda fallecería el 24 de marzo de 1961 en la Ciudad de México.

Antonio Gomezanda (1894-1961)
"Lagos" Poema Sinfónico para Violonchelo, Piano y Orquesta (1956)
Seis Danzas Mexicanas para Piano y Orquesta (1945/47)
Fantasía Mexicana para Piano y Orquesta (1922-47rev.)
"Xiuhtzitzquilo" (Fiesta del Fuego) Ballet (1925)

Violonchelo: Wolfgang Böttcher
Piano: Alan Marks
Director: Jorge Velazco
Berliner Symphoniker
296 MB
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Pueden creer que un artista con semejantes logros pueda pasar tan desapercibido hoy en día? Esa es la realidad de Antonio Gomezanda, que podemos hacer al respecto?

martes, 11 de julio de 2017

RE:Revueltas: Orchesterwerke II


Las revueltas del arte como sucesos mal dolorosos infunden falsas ilaciones dentro de una mente brillante, Yo, quien escribe estas lineas (aunque sea algo altanero esta vez en mi reseña, lo se, dispensen), soy muy susceptible al disgusto cuando hallo hechos que no obedecen a las leyes causa-efecto. Digo esto porque me es debido explicar la desaprobación que siento al término de la lectura de un libro o artículo de los muchos reputados investigadores pseudo-expertos en la historiografía de la vida de Silvestre Revueltas y que argumentan ligar su obra creativa con el estridentismo (que fue ante todo un movimiento literario de vanguardia en México que perduró de los años 1920 a 1940, aprox.) debido a su ideología artística y política. En mi opinión, no hace falta creerse un "ilustrado" para dar en cuenta que la estética modernista de la música de Revueltas (sin tomar en cuenta lo muy mexicano que suenen sus melodías y armonías) no pudo haber sido concebida aquí en el país ni tampoco por haber entablado amistad con los dirigentes de dicho movimiento. La razón de mis argumentos son los siguientes:

En las varias idas y venidas del compositor hacia los Estados Unidos desde 1917 hasta 1929, especialmente en los años que residió en Chicago, es altisimamente probable (99.8%) que asistiera a alguno de los conciertos auspiciados por la International Composers' Guild (1921-27) fundada y presidida por Edgard Varèse (llamado como el Mago de los Sonidos por Miguel Ángel Asturias), su asociación -perfilada como una cooperativa financiada por donaciones- sería la principal encargada de presentar las composiciones más radicales y vanguardistas (tanto de compositores de América como de Europa) en los Estados Unidos en aquella década. Cuando esta dejó de existir, al año siguiente apareció la Pan American Association of Composers (1928-1934) fundada por Varèse pero dirigida por Henry Cowell, esta nueva sociedad de compositores exhortaría al buen Silvestre a ser uno de sus asociados (y no sería el único, también Carlos Chávez formaría parte de esta, de hecho el fue uno de sus vicepresidentes, al igual, Charles Ives, Heitor Villa-Lobos, Amadeo Roldán, Alejandro García Caturla, y otros grandes personajes, figurarían entre los asociados, apodados los ultramodernistas), por ende, he aquí de donde se afinarían las verdaderas tendencias modernas de la música de Revueltas, y principalmente -vale la pena recalcarlo- por la poderosísima influencia de Edgard Varèse.

Y si aun estos argumentos no bastaren para los más escépticos, les he de recomendar enfáticamente una escucha que sustenta elocuentemente mi juicio. En el álbum de hoy encontraran Ventanas, uno de los seis poemas sinfónicos compuestos por Revueltas en la primera mitad de los años 30' (el séptimo y último sería Sensemayá de 1937-38), esta pieza es -junto a Esquinas- donde su autor experimentaría con las técnicas más vanguardistas de su época, ambas no obedecen del todo a los cánones de la melodía lírica horizontal ni a los giros de la verticalidad armónica, dando gran predilección por explotar los recursos de variación rítmica yuxtapuesta, los puntos de climax son las densidades de la masa sonora organizada por fractales tímbricos, como si se tratara de un experimento de cristalización, cabe decir que el compositor escribió un breve y poco aclaratorio programa referente a su obra (así que no tiene sentido saberlo). Ventanas fue (dedicada a Ángela Acevedo, su segunda esposa) estrenada el 4 de Noviembre de 1932 por la Orquesta Sinfónica de México dirigida por su autor, como habría de esperarse, los críticos conservadores (y uno que otro del público) habrían de salir del concierto llorando como niñitas y lamentando que sus oídos de porcelana se habían lastimado (Si señor!!)

Ahora quisiera cambiar un poco mis matices, por lo cual hablaré sobre Itinerarios pero antes habré de contextualizarla. Uno de los episodios más sangrientos de la década de los 30' fue la Guerra Civil Española que tuvo su beligerancia entre julio de 1936 y abril de 1939, un conflicto entre dos facciones que -además de propagar confusión entre el pueblo sobre los verdaderos motivos del inicio de hostilidades - básicamente luchaban por el mismo objetivo (someter al otro bando sin importar las consecuencias), entre las victimas inocentes de la guerra, el poeta andaluz Federico García Lorca, cuyo fusilamiento acaecido el 19 de agosto de 1936 sería recordado como una de las acciones más cobardes y viles realizadas por el bando nacional de Francisco Franco, al saber esta noticia, Revueltas sufrió un luto desolador por el fallecimiento de su más admirado y predilecto poeta, por ello compuso su Homenaje a Federico García Lorca (compuesto en el estío de 1936 y estrenado el 14 noviembre de ese año) paralelo a ello, el compositor había sido designado presidente de la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios (LEAR), asociación que emprendería -al año siguiente- su comitiva hacia España en solidaridad con el bando republicano, la delegación de intelectuales que -tras partir de México hacia los Estados Unidos- se embarcaron en el trasantlántico RMS Britannic 1929 desde Nueva York hacia el viejo mundo, estaban un joven Octavio Paz, David Alfaro Siqueiros (quien fue el más extremista entre los representantes, pues el se enlistaría como soldado), José Chávez Morado y -entre otros- Silvestre Revueltas, quien llegaría a Barcelona el 17 de julio del 37 (justo al año de haber iniciado la guerra), después recorrería Cataluña y Valencia donde atestiguaría ver una Nación ensangrentada, endeudada y empobrecida. A inicios del 38 regresaría a México.

Los recuerdos de la miseria sometida a la madre España se plasmarían en dos de sus obras, la primera de ellas es el Canto de Guerra para las Fuerzas leales cuya Fanfarria de Metales es empleada en los primeros compases de Itinerarios, la segunda de estas, concluida poco tiempo después del triunfo de Franco, si bien, el compositor nunca escribió o comentó un programa explicativo ni definió si era un poema sinfónico o algo parecido (vaya que tenía la costumbre de hacer cosas así!!) fácilmente el escucha podrá asociar el discurso de la obra con las vivencias del compositor antes mencionadas, esta pieza tiene una de las melodías más tristes y sentimentales compuestas por Revueltas, el solo desgarrador del Saxofón soprano acompañado por las notas lagrimosas del Arpa demuestran el lado del Revueltas humano, que no puede ser indiferente ante la tragedia pero nada puede hacer por cambiarla. Disfruten la escucha.

Silvestre Revueltas (1899-1940)
"La Noche de los Mayas" (1939, Suite de José Yves Limantour 1960)
"Itinerarios" para Orquesta (1938/39)
"Ventanas" Poema Sinfónico (1931)
"Caminos" Poema Sinfónico (1934-36rev.)

Director: Carlos Miguel Prieto
Orquesta Sinfónica de Xalapa
245 MB
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viernes, 30 de junio de 2017

RE:Cuaderno de Viaje: Música de Mario Lavista


La composición en base a "técnicas extendidas" en los instrumentos tradicionales tiene sus nobles indicios en la música del posromanticismo alemán, compositores tan distinguidos como Gustav Mahler, Richard Strauss, Engelbert Humperdinck o Arnold Schönberg, habrían de ser los primeros en hacer uso de elementos poco convencionales como el flatterzunge (golpes continuos de lengua, sonidos articulados casi ásperos, su pronunciación habitual es Rrrrr...) o el sprechstimme (técnica vocal intermedia entre hablar y cantar), estos recursos paulatinamente se asociarían a la interpretación musical moderna y con el advenimiento de nuevos movimientos artísticos de avant-garde, la exigencia hacia los ejecutantes de igual manera se habría de expander, ahora los Multifónicos (dos o más sonidos separados por amplias alturas pero que suenan simultáneamente), Snap pizz (se le atribuye la innovación a Béla Bartók, consiste en pellizcar las cuerdas rebotando con fuerza en el diapasón), Slap tongue (el golpe de lengua más salvaje que pueda ser controlado), Cluster (en un piano, recargar toda la extensión de los brazos sobre el teclado, inventado por Henry Cowell), y demás, son elementos convencionales dentro de la llamada música contemporánea.

Aquí en México, uno de los primeros compositores en adherir todos estos recursos de manera exitosa a su lenguaje fue Mario Lavista (previamente Manuel Enríquez experimentó con todos ellos llegando a resultados interesantes pero no se clavaría demasiado en esta línea), quien es quizás el compositor mexicano más prestigiado -vivo- hasta hoy en día (y también radicado en el país), el álbum de hoy denota su adiestramiento con algunos de los elementos antes mencionados, las obras, todas corresponden a la década de los 80's, época donde la poderosa figura de Luciano Berio tenía un fuerte influjo sobre el maestro (y recuerden, no toda la buena música necesariamente debe reflejar belleza), Subid el volumen!.

Mario Lavista (n.1943)
Madrigal para Clarinete solo (1985)
"Marsias" para Oboe y Copas de Cristal (1982)
Lamento (a la memoria de Raúl Lavista) para Flauta baja solo (1981)
"Cuaderno de Viaje" Dos Piezas para Viola solo (primera versión 1989)
"Cuicani" para Flauta y Clarinete (1985)
"Cante" (Homenaje a Rodolfo Halffter) para dos Guitarras (1980)
Responsorio in Memoriam Rodolfo Halffter para Fagot y Percusiones (1988)

Flauta/Flauta baja: Marielena Arizpe
Oboe: Roberto Kolb
Clarinete: Luis Humberto Ramos
Fagot: Wendy Holdaway
Viola: Maurizio Barbetti
Dúo de Guitarras Castañón-Bañuelos
Percusiones: Ricardo Gallardo y Alfonso Mendoza
211 MB
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martes, 27 de junio de 2017

Huízar: Symphonien und Tondichtungen


"Un astro injustamente eclipsado por el tiempo, viandante de la bóveda celeste en medio de la luz y del olvido, sin poder retornar al volátil movimiento de las esferas, se pregunta a si mismo ¿Que es la Nada?........... hay una brisa cósmica ........... el silencio le ha respondido"

Era un lunes 22 de mayo del año 1944 cuando el muy respetado compositor, Mtro. Candelario Huízar, fue acechado por una "ictus cerebral" de mortal gravedad cuyo desenlace sería una hemiplejía que lo dejaría -casi- paralítico e incapacitado hasta el final de sus días en el No. 15 de la Calle Azabache de la Colonia Estrella (no muy lejos de la Basílica de Guadalupe) alejado de toda actividad artística. De ahí en adelante serían pocas las veces en que volvería a ser visto el maestro en público, una de ellas sería el 22 de Enero de 1952 en el Palacio de Bellas Artes para la entrega del Premio Nacional de Ciencias y Artes 1951, merecidamente, Huízar era condecorado en dicha emisión.

De orígenes muy humildes, el pequeño Candelario se involucró en el mundo de la música desde una tierna edad aprendiendo a tocar diversos instrumentos de aliento en la Banda municipal de su natal Jerez, pueblo mágico del estado de Zacatecas (aquel sitio sería también la cuna de otro célebre personaje, el Poeta de México, Ramón López Velarde), su adiestramiento profesional no iniciaría hasta bien entrado 1918 tras matricularse en el Conservatorio Nacional de Música a so pesa de sus 35 años (digo, si Erik Satie decidió entrar a la Schola Cantorum a los casi 40 años -Oh Dios!!- para estudiar de a de veras, no veo extrañeza alguna en que Húizar entrara a esa edad, supongo), en aquel plantel sus profesores -entre los más destacables- fueron Gustavo E. Campa (composición) y Arturo Rocha (corno), se graduaría en 1924.

En el lapso de los siguientes 20 años (aparte de desempeñarse como bibliotecario y cornista de la Sinfónica de México) Huízar consolidó una obra rica en contrastes que, si bien inició con un romanticismo a la francesa (notoria es la influencia del Mtro. Campa), escaló hasta las más altas cumbres del movimiento nacionalista como pionero del indigenismo musical, una vertiente que no había sido lo suficientemente explorada en aquel entonces, elocuentes ejemplos de esta estética son sus Sinfonías, destacando principalmente la Cuarta, intitulada Cora, por el empleo de cantos y danzas de esta comunidad indígena fuertemente ligada a los huicholes del estado de Nayarit, su estreno se llevaría acabo el 7 de Agosto de 1942 por la Orquesta Sinfónica de México bajo la dirección de Dimitri Mitrópoulos.

Sus grandes cualidades como sabio orquestador serian la clave fundamental para la composición de sus Poemas Sinfónicos, donde supo ilustrar -con armonías quasi impresionistas- los aires de la vida campesina posrevolucionaria. Esto, entre otros aspectos, nos dan pauta para considerar la vida y obra de Candelario Huízar como uno de los exponentes más relevantes del arte de la primera mitad del siglo XX en México, y además, basta decir que lograr una universalidad sin jamas haber salido del país lo hace aun más autentico. La tragedia de su convalecencia, únicamente comparable -me atrevo a decir- con la muerte de Silvestre Revueltas, fue -quizás- la razón por la cual su obra dejó de figurar tanto en nuestro medio musical local, de sus más de tres centenares de obras apenas y una docena de ellas se encuentran editadas, por lo cual, acceder a sus partituras aun hoy en día sigue siendo difícil.

Afortunadamente, el álbum doble de hoy nos da un remedio ante la poca frecuencia en que pueden ser escuchadas sus obras, por último y comentario final, vale mucho la pena aplaudir el trabajo del director de orquesta, Sergio Cárdenas, quien con mucho empeño se ha dado tarea en difundir la obra orquestal del maestro de Jerez a lo largo y ancho de su carrera, por dar un ejemplo, durante el marco del festival Young Euro Classic 2016 celebrado en Alemania, la Orquesta Sinfónica "Estanislao Mejía" de la Facultad de Música (UNAM) bajo su dirección interpretó la Sinfonía Cora de Huízar el 2 de septiembre en la sala principal de la Konzerthaus de Berlín, siendo esta su primera audición en Europa (a no ser que alguno de ustedes, visitantes del otro lado del charco, que haya escuchado este álbum previamente, creo que si, en efecto, habrá sido su estreno), dense un viaje!.

Candelario Huízar (1883-1970)
"Imágenes" Poema Sinfónico (1919-27rev.)
Sinfonía No. 1 (1930)
"Surco" Poema Sinfónico (1935)
Sinfonía No. 2 "Oxpanixtli" (1936)
Sinfonía No. 3 (1938)
Sinfonía No. 4 "Cora" (1942)

Director: Sergio Cárdenas
Orquesta Sinfónica Nacional de México
722 MB
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domingo, 25 de junio de 2017

RE:Rolón: Lieder und Streichquartett


Desde tiempos antiquísimos ha existido una afinidad por unificar Letra y Música en un "arte ecuánime", aquel donde texto y notas son creadores de un bello discurso provisto de una melodiosa retórica que sea capaz de evocar -en los oyentes- alegrías y pasiones con mayor impacto y verismo, ergo, un formato sencillo e íntimo resulta como el más idóneo para este propósito y es que (entre todas las formas vocales) por antonomasia la Canción se amolda (como anillo al dedo) con estos menesteres. Ahora, siempre hay que tener en cuenta que el uso de elegantes y refinados poemas no necesariamente constituye la clave de una buena canción, estructurar oraciones en frases melódicas es función del compositor (si es que es afín al género musical) y si este no logra ser seducido por las palabras, entonces la canción, sencillamente, no puede ser.

Para esta ocasión traigo para ustedes este álbum que nos exhorta a apreciar la bellas Chansons de José Rolón en amalgama con algunos poemas de Amado Nervo, Xavier Villaurrutia, Salvador Novo, y José Gorostiza, por si esto fuera poco el álbum también incluye el Cuarteto Op. 35 que Rolón compuso durante su segunda estadía en París (bien dicen que si se quiere tener una impresión sólida y directa del pensamiento musical de un compositor, la mejor manera es escuchar un cuarteto de cuerdas), Ora pues, Suenenle!.

José Rolón (1876-1945)
"Trois mélodies" para Voz y Piano (1929)
"Epigrama" Madrigal para Voz y Piano (1928)
Canción de la Noche para Voz y Piano (1932)
"No le habléis de amor" Canción para Voz y Piano (1931)
"Incolor" Canción para Voz y Piano (1932)
"Dibujos sobre un Puerto" Ciclo de Canciones para Soprano y Piano (1932)
¿Quién me compra una Naranja? Canción para Voz y Piano (1931)
"Naufragio" Canción para Voz y Piano (1937)
"Mi tristeza es como un rosal florido" Canción para Voz y Piano (1932)
"Deseos" Canción para Voz y Piano (1931/32)
Cuarteto de Cuerdas Op. 35 (1928/29)

Soprano: Lourdes Ambriz
Piano: Ricardo Miranda
Cuarteto Latinoamericano
198 MB
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martes, 13 de junio de 2017

RE:Chávez dirige Chávez


Bien, este día hay un excelente motivo por el cual recordar a una de las figuras más ilustres de América (y no estoy exagerando al considerarlo así, ehh!), se trata nada más y nada menos que del compositor mexicano Carlos Chávinsky (así, a la rusa, tal cual como lo nombraba su amigo Miguel Covarrubias), y la razón no es cualquiera, pues hoy casualmente se cumplen 118 años de su natalicio, por ello, en tan particular ocasión creo que es loable leer un poco sobre la vida de tan interesante personaje, pero aun más importante, escuchar algo de su música (y que mejor manera que siendo interpretada bajo su propia batuta!!). Para los admiradores del Mtro. Chávez estas grabaciones -realizadas en los primeros meses de 1958- de sus tres intituladas Sinfonías resultarán imprescindibles para sus colecciones, disfrútenlo.

Carlos Chávez (1899-1978)
Sinfonía No. 1 "Antígona" (1932/33)
Sinfonía No. 2 "India" (1935)
Sinfonía No. 4 "Romántica" (1953)

Director: Carlos Chávez
New York Stadium Symphony Orchestra
215 MB
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sábado, 10 de junio de 2017

RE:Días de Mar y Río: Del Folklore Latinoamericano al Piano de Concierto


Desde las más profundas entrañas de nuestra tierra latinoamericana emanan sonoridades exóticas, mágicas vibraciones cual poderío logran a todo un continente mover al pulso de sus vivas tradiciones indígenas que, sin ninguna duda, la distinguen de cualquier otra región del orbe, por lo cual, aquí toda manifestación artística (por muy refinada que sea) inspirada en su Folklore tendrá impregnada una esencia conciliadora (heredada gracias al mestizaje) entre lo particular y lo universal.

El repertorio seleccionado en el presente álbum trata sobre los ecos de una américa criolla que está ansiosa por ser escuchada, las teclas de un piano que bailen al ritmo de estas raíces demandan un magnífico interprete y Arturo Nieto-Dorantes cumple con esa exigencia, ........ no se diga más.

Manuel María Ponce (1882-1948)
"Xochimilco" Barcarola Mexicana (1915)
Rapsodia Mexicana No. 1 (1911)

Heitor Villa-Lobos (1887-1959)
Chôros No. 5 "Alma Brasileira" (1925)

Camargo Guarnieri (1907-1993)
"Lundú" (1935)

Ignacio Cervantes (1847-1905)
Nos. 20, 21 & 35 de "Treinta y Siete Danzas Cubanas" (18??)

Ernesto Lecuona (1896-1963)
Nos. 1 & 2 de la Suite de "Danzas Afro-Cubanas" (1930)

Arturo Márquez (1950)
Días de Mar y Río (1997)

Juan Bautista Plaza (1898-1965)
Sonatina Venezolana (1934)

Pedro Humberto Allende (1885-1959)
Nos. 1, 5 & 8 de "Doce Tonadas de Carácter Popular Chileno" (1920)

Mariano Mores (1918-2026)
"Taquito Militar" Milonga (1952)

Alfonso Broqua (1876-1946)
Tres Preludios Pampeanos (1938)

Piano: Arturo Nieto-Dorantes
200 MB
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miércoles, 7 de junio de 2017

RE:Mexikanische Musik


De todas las obras contenidas en el álbum (doble) de hoy, quisiera centrar nuestra atención en las obras concebidas para la Danza, pero antes de ello, es menester contextualizar el suceso histórico cuando -aquí en México- al gobierno federal se le ocurrió la brillante idea de apoyar con gran pompa y epifanía las raíces culturales de este bello país, por lo cual se creó el Instituto Nacional de Bellas Artes en 1947 (no es que antes de ese año no existiera financiamiento gubernamental hacia las artes, la creación de este nuevo organismo marcaba la descentralización del Departamento de Bellas Artes -que pertenecía a la Secretaría de Educación- para su administración autónoma, y eso se mantuvo hasta que el INBA fuera nuevamente absorbido en 2015 por la llegada de la -no muy eficiente- Secretaría de Cultura) durante el mandato del presidente Miguel Alemán.

Como director general fue designado Carlos Chávez (con toda seguridad, la más ilustre cabecilla que ha estado al frente en toda la historia de dicho organismo), cuya administración emprendió un programa educativo que entró en contacto con todas las clases sociales del país, para ello se crearon escuelas de iniciación artística, se fundaron centros de investigación, las escuelas de educación superior se modernizaron y se institucionalizaron varias agrupaciones como la Sinfónica Nacional y la Compañía Nacional de Ópera, entre otras actividades.

Bien, aquí es cuando regresamos a hablar más en materia. En los años antecesores a 1940, todo movimiento dancístico (en su manifestación más culta) tenía un impacto poco exitoso en la vida cultural del país, la aparición en 1932 de la Escuela Nacional de Danza (dirigida en sus primeros años por Carlos Mérida pero fundada por iniciativa de Narciso Bassols y José Gorostiza) se había dado tarea en sensibilizar a los públicos que frecuentaban los teatros para ver Zarzuelas (entre otros géneros similares) y acercarlos a apreciar el Ballet clásico, ademas habían pocos bailarines y coreógrafos profesionales que tomaran las riendas ante esta ardua labor (el único capaz en esta época era José Limón, quien por aquellos años se abría paso en los Estados Unidos y sería a la postre, una de las figuras más emblemáticas de la danza moderna americana), no fue hasta 1937 cuando la Danza tuvo su primer acierto al elegir a Nellie Campobello (ella, junto a su hermana menor Gloria Campobello, fueron de las más destacadas bailarinas de estos tiempos) como la nueva directora de la escuela de danza, 2 años después Anna Sokolow vendría a México y fundaría "La Paloma Azul", el primer grupo artístico de Danza moderna que existió en el país y al año siguiente, se organizaría el Ballet de Bellas Artes bajo el liderazgo de Waldeen von Falkenstein.

Para finales de la década de los '40 el movimiento dancístico empezó a tomar un relieve mayor, en 1947 se institucionalizó la Academia de la Danza Mexicana, y al año siguiente la Compañía Nacional de Danza, ambos órganos demandaban la estrecha colaboración entre coreógrafas y compositores que cada vez era más imprescindible, y es así como -con algunas pocas excepciones en las décadas pasadas- se gestaron los primeros ballets modernos (aunque claro, con una fuerte influencia de la danza folklórica) en México.

Ahora (por fin!!) hablemos sobre la música, recordando todo lo que se ha dicho de Carlos Jiménez Mabarak (sino, pulsad aquí), centrémonos en su Balada del Venado y la Luna, la segunda obra que su autor consagró para la Danza, este ballet con argumento del propio compositor, tuvo la colaboración de Ana Mérida (coreografía) y Rufino Tamayo (escena y vestuario), su estreno se llevó acabo el 7 de diciembre de 1949 en el Palacio de Bellas Artes con la Orquesta Sinfónica Nacional dirigida por el propio Mabarak. Por su lado, La Manda, ballet de Blas Galindo basado en el cuento "Talpa" de Juan Rulfo, contó con la colaboración de Rosa Reyna en la coreografía y José Chávez Morado en la escenografía, su estreno se realizó, igualmente, en el Palacio de Bellas Artes el 31 de Marzo de 1951.

CD1

Blas Galindo (1910-1993)
"La Manda" Ballet (1950/51)

Carlos Chávez (1899-1978)
Encantamiento y Zarabanda (Nos. 2 & 3) de "La Hija de Cólquide" Suite Sinfónica (1943)

José Pablo Moncayo (1912-1958)
"Tierra de Temporal" Poema Sinfónico (1949)

Silvestre Revueltas (1899-1940)
"Janitzio" Poema Sinfónico (1933-36rev.)

Carlos Jiménez Mabarak (1916-1994)
Balada del Venado y la Luna (1948)

Director: Fernando Lozano
Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México
283 MB
EAC:FLAC+Cue+Log

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CD2

Rodolfo Halffter (1900-1987)
"La Madrugada del Panadero" Ballet Suite Op. 12 (1940)

Silvestre Revueltas
Cinco Canciones para Niños para Voz y Orquesta de Cámara* (1938)

Héctor Quintanar (1936-2013)
"Fábula" (sobre un tema del siglo XVIII) para Coro y Orquesta (1964)

Heitor Villa-Lobos (1887-1959)
Chôros No. 10 "Rasga o Coraçao" para Coro y Orquesta (1926)

Carlos Chávez
Sinfonía No. 2 "India" (1935)

Soprano: Irma González* 
Director: Fernando Lozano
Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México
344 MB
EAC:FLAC+Cue+Log

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sábado, 3 de junio de 2017

Bicentenario de la Música Sinfónica Chilena Vol. 2


Nuevamente ha llegado la ocasión para que nuestra escucha expanda su interés por las obras de los maestros de la nación chilena. La gama contenida en el álbum de hoy nos da una sutil muestra del panorama musical chileno -a mediados del siglo pasado- a través de tres compositores muy diferentes en sus estilos y personalidades pero que compartieron un elemento en común, la instrucción compositiva con su maestro Pedro Humberto Allende en el Conservatorio Nacional de Música (el hoy Departamento de Música y Sonología de la Universidad de Chile), tras sus estudios, cada uno emprendería la búsqueda de un lenguaje más personal. Hören Sie!.

René Amengual (1911-1954)
Preludio Sinfónico (1939)

Gustavo Becerra (1925-2010)
Concierto para Flauta y Orquesta de Cuerdas (1957)

Alfonso Letelier (1912-1994)
Concierto para Guitarra y Orquesta de Cámara Op. 31 (1960-84rev.)

Flauta: Guillermo Lavado
Guitarra: Luis Orlandini
Director: David del Pino Klinge
Orquesta Sinfónica de Chile
297 MB
EAC:FLAC+Cue+Log

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sábado, 27 de mayo de 2017

RE:Música Mexicana Vol. 2


Uno de los más grandes violinistas del siglo XX fue el polaco Henryk Szeryng, quien visitó México en 1941 cuando se desempeñaba como "traductor personal" (se dice que Szeryng hablaba con fluidez siete idiomas!!) del primer ministro de relaciones exteriores del gobierno polaco, el general Wladyslaw Sikorski, en tiempos de la Segunda Guerra Mundial (su intervención fue útil para que en aquella década emigraran a México cerca de 4,000 polacos en calidad de refugiados por el conflicto en Europa), aparte de sus servicios para el gobierno y el haber ofrecido conciertos y recitales en la Ciudad de México, se ganó la simpatía del medio musical mexicano y de inmediato entró en contacto con los dos compositores más respetados de aquella época, Carlos Chávez y Manuel M. Ponce (Revueltas había muerto apenas un año atrás), entre platicas y cartas, se acordó el regreso de Szeryng para finales del verano de 1943, llegado el momento, el 20 de Agosto de aquel año en el Palacio de Bellas Artes se realizó el estreno del Concierto para Violín de Ponce por la Orquesta Sinfónica de México dirigida por Chávez y Szeryng como solista, tras esta actuación se le ofreció a Szeryng la dirección de la Academia de Cuerdas de la UNAM (aceptaría el puesto en 1945, aquel año obtendría la nacionalidad mexicana).

Con respecto a la obra de Ponce, solo quisiera mencionar que el segundo movimiento del Concierto cita abiertamente el tema de Estrellita, aquella linda canción compuesta en 1912 y que bien se sabe que Ponce recibió una miseria al vender inocentemente los derechos de la obra, de alguna manera para reafirmar la autoría de tan linda canción, la empleó dentro de su concierto, por supuesto, tejiendo los temas con mayor complejidad para el solista.

Manuel María Ponce (1882-1948)
Concierto para Violín y Orquesta (1942)*

Carlos Chávez (1899-1978)
Sinfonía No. 2 "India" (1935)

Silvestre Revueltas (1899-1940)
"La Noche de los Mayas" (1939, Suite de José Yves Limantour 1960)

Violín: Henryk Szeryng
Director: Enrique Bátiz
Royal Philharmonic Orchestra*
Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México
362 MB
EAC:FLAC+Cue+Log

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miércoles, 24 de mayo de 2017

RE:Castellanos: Orchesterwerke


La obra orquestal de Evencio Castellanos nos exhorta a virar nuestra atención hacia una Venezuela mágica y seductora (y no es por algún maquiavélico certamen de belleza), pues tras haber sido uno de los más destacados discípulos que se instruyeron bajo la enseñanza de Vicente Emilio Sojo (el erudito de la historia musical venezolana), sus composiciones personifican el concilio entre la identidad nacional y el resurgimiento intelectual en contra de las tiranías militares que durante varias décadas del siglo pasado (heredadas gracias al desorden político de los decenios del siglo XIX) causaron un estancamiento artístico en Venezuela. Castellanos, al igual que muchos artistas de su generación fueron considerados como "restauradores" de la cultura pues aludían en sus obras las raíces de su memorable pasado.

Al haber compuesto El Río de las Siete Estrellas, Castellanos tomó como inspiración el poema Canto al Orinoco (escrito en 1943) de su compatriota Andrés Eloy Blanco, quien a través este texto, confeccionó una versión metafórica y fabulada de la historia venezolana, desde la era prehispánica, pasando por la conquista y hasta los últimos acontecimientos del movimiento independentista. Las siete estrellas simbolizan las siete provincias originales de la antigua bandera nacional (en 2006 se añadió la octava).

Igual de fascinantes son la Suite Avileña (composición basada en motivos folklóricos, tonadas infantiles y villancicos tradicionales, su nombre se debe a "El Ávila", montaña que divide la ciudad de Caracas de la costa del Caribe) y Santa Cruz de Pacairigua (obra que evoca distintas festividades de la fe católica pero impregnada de un fuerte nacionalismo), en general, muy buen álbum el de hoy, deléitense camaradas.

Evencio Castellanos (1915-1984)
"Santa Cruz de Pacairigua" Suite Sinfónica (1954)
"El Río de las Siete Estrellas" Poema Sinfónico (1946)
Suite "Avileña" (1947)

Director: Jan Wagner
Orquesta Sinfónica de Venezuela
255 MB
EAC:FLAC+Cue+Log

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domingo, 21 de mayo de 2017

RE:Trovadores de Veras!


En el álbum de hoy nos hayamos ante una adorable partitura que fue compuesta dentro de la primera mitad del México decimonónico, se trata de La Primavera de Joaquín Beristaín, una pequeña obra de jocoso carácter y de influencia Rossiniana que genéricamente se le denomina como una "Obertura" pero a la cual su autor la había dado el titulo de "Sinfonía" de acuerdo a la terminología italiana de la época. En vida, Beristaín fue conocido como el Bellini mexicano por la riqueza de su lenguaje y el encanto de sus frases melódicas, para nuestra -buena o mala- suerte, este notable talento tuvo una vida corta pero buena (se dice que los que viven poco viven intensamente).

Joaquín Beristáin (1817-1839)
Obertura "La Primavera" (183?)

Arturo Márquez (n.1950)
Conga del Fuego Nuevo (2005)

Agustín Lara (1897-1970)
Suite de Lara (Arr. y Orq. de Mateo Oliva)

Rafael Hernández (1892-1965)
Perfume de Gardenia (Arr. y Orq. de Mateo Oliva)

Dominio Público
Jesusita en Chihuahua (Arr. y Orq. de Mateo Oliva)
Suite Huasteca (Arr. y Orq. de Mateo Oliva)
La Vieja (Arr. y Orq. de Mateo Oliva)
La Bruja (Arr. y Orq. de Mateo Oliva)
La Bamba (Arr. y Orq. de Mateo Oliva)

Director: Antonio Tornero
Orquesta Sinfónica Juvenil del Estado de Veracruz
Grupo Tlen Huicani
365 MB
EAC:FLAC+Cue+Log

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lunes, 15 de mayo de 2017

RE:Ginastera: Das Violinkonzert


Para el día de hoy comparto con todos ustedes una de las más brillantes obras dentro del catálogo del compositor argentino Alberto Ginastera, se trata de su alucinante Concierto para Violín que pertenece al tercero de sus periodos compositivos, en este caso el llamado periodo "neo-expresionista" (que es en realidad el lenguaje de Ginastera instruido en el atonalismo libre y el dodecafonismo serial), la originalidad de la obra radica principalmente en la parte solista, pues el uso de técnicas extendidas en el Violín es constante en cada uno de los tres movimientos del concierto, su estreno se realizó en el Philharmonic Hall el 3 de Octubre de 1963 por la Orquesta Filarmónica de Nueva York dirigida por Leonard Bernstein y Ruggiero Ricci como solista al Violín.

Alberto Ginastera (1916-1983)
Concierto para Violín y Orquesta Op. 30 (1963)

Béla Bartók (1881-1945)
Sonata para Violín y Piano (No. 0) Op. Post (1903)

Violín: Salvatore Accardo
Piano: Noel Lee
Director: Mario di Bonaventura
Hopkins Center Orchestra
238 MB
EAC:FLAC+Cue+Log

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miércoles, 10 de mayo de 2017

Galindo, Revueltas, Moncayo, Contreras, Chávez


De las obras más brillantes compuestas en el México de los años '40, ocupan los Corridos de Salvador Contreras un lugar especial dentro de mi melomanía, pues considero que no es tan vasta la producción de partituras sinfónico-corales de corte "nacionalista", periodo que abarcó de 1930 a 1960, esta obra fue estrenada (dentro de uno de los denominados conciertos de "Música Tradicional Mexicana") el 15 de Agosto de 1941 bajo la dirección de Carlos Chávez y la Orquesta Sinfónica de México (en el mismo concierto también se estrenaron la versión revisada de Sones de Mariachi de Blas Galindo, Norte de Luis Sandi y el Huapango de José Pablo Moncayo), aunque son de una duración breve, estos Corridos cumplen con dar una impresión rápida de lo pintoresco que es la lírica provincial de mi país.

Por otro lado, me resulta fascinante compartir con ustedes un registro de la Quinta Sinfonía de Carlos Chávez, perfilada para una orquesta de cuerdas y de estilo neoclásico, la considero como la mejor lograda de sus Sinfonías enumeradas y no enumeradas (y si, me gusta muchísimo más que la Sinfonía India), esta obra fue un encargo de la Fundación Koussevitzky y estrenada por su autor al frente de la Orquesta de Cámara de Los Ángeles en el Royce Hall de la Universidad de California el 1° de Diciembre de 1953.

Blas Galindo (1910-1993)
Sones de Mariachi (1940-41rev.)

Salvador Contreras (1910-1982)
"Corridos" para Soprano, Coro y Orquesta (1941)

José Pablo Moncayo (1912-1958)
"Amatzinac" para Flauta y Orquesta de Cuerdas (1935-37rev.)

Silvestre Revueltas (1899-1940)
"Sensemayá" Poema Sinfónico (1937-38rev.)

Carlos Chávez (1899-1978)
Sinfonía No. 5 para Orquesta de Cuerdas (1953)

Soprano: María Luisa Tamez
Flauta: Elena Durán
Director: Enrique Arturo Diemecke
Orquesta Sinfónica Nacional de México
Coro Nacional de México
291 MB
EAC:FLAC+Cue+Log

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