viernes, 31 de marzo de 2017

RE:Brazilian Festival '88: A Brazilian Extravaganza


Esta es la historia de Uirapurú, un legendario pájaro encantado; los fetichistas lo veneran como al 'Rey del Amor' y su canto nocturno cautiva a los nativos, atrayéndolos en su búsqueda.

"Un grupo de jubilosos hombres de la selva durante su diaria persecución del pájaro encantado se topan con un indio viejo y feo que toca su flauta en medio de la jungla. Imaginando que el viejo trae malos presagios, los nativos lo golpean sin misericordia echándolo de sus dominios, después, una hermosa doncella aparece en la selva rodeada de la fauna nocturnal: luciérnagas, grillos, búhos, sapos y murciélagos son los ruidosos testigos de la doncella, que es en realidad, una cazadora. Armada con arco y flecha busca y encuentra al pájaro encantado, hiriéndolo en el corazón. Al morir, el pájaro se convierte en un apuesto joven. La hermosura de la joven cautiva al transformado Uirapurú. Seguidos por los asombrados nativos, el y ella se disponen a abandonar la selva, pero el misterioso sonido de la flauta del malvado indio los detiene momentáneamente, sospechando que el viejo busca venganza por la golpiza, los nativos se esconden en la espesura abandonando a la joven pareja. El desprevenido y apuesto joven se enfrenta sin temores al indio pero el viejo lo mataría de un flechazo, la joven y sus doncellas conducen tiernamente el cadáver del joven a una fuente cercana, al contacto con el agua el cuerpo del joven se transforma nuevamente en un hermoso pájaro. Su dulce canto se desvanece en el preñado silencio de la selva. ¡Uirapurú vive!"

Basándose en el argumento anterior, Villa-Lobos compondría un increíble ballet y lo dedicaría al destacado bailarín y coreógrafo ucraniano Serge Lifar, el estreno se realizó el 25 de mayo de 1935 en el Teatro Colón de Buenos Aires (en ocasión de la visita de estado del presidente brasileño Getúlio Vargas a la Argentina) por las Orquesta y Ballet estables de dicho recinto bajo la dirección del compositor.

Heitor Villa-Lobos (1887-1959)
Chôros No. 8 para Dos Pianos y Orquesta (1925)
Fantasia para Violonchelo y Orquesta (1945)
"Uirapurú" Ballet (1917-34rev.)

Marlos Nobre (1939)
Convergências Op. 28 (1968-77rev.)

Violonchelo: Janos Starker
Director: Eleazar de Carvalho
Orquestra Sinfônica da Paraíba
296 MB
EAC:APE+Cue+Log & Covers


miércoles, 29 de marzo de 2017

RE:Zwanzig Jahrhundert Mexikanische Symphonische Musik Vol. 1


Entre los mejores proyectos de grabaciones para la preservación de la música mexicana de concierto destaca ampliamente la antología de cuatro discos que realizó Eduardo Diazmuñoz al frente de la Filarmónica de la Ciudad de México en el transcurso del año 1992, en ella se aprecia una propuesta ecléctica que se dio tarea en abarcar la producción musical de México en el siglo XX sin caer en las típicas referencias de las distintas etapas en que transitó la música (en su manifestación como Arte mayor) en el país, tales intenciones se vieron recompensadas cuando el primer volumen de la colección fue nominado en la categoría de "Mejor Álbum Clásico" en la primera emisión del Grammy Latino en el año 2000. Si bien en aquel mismo año la producción galardonada fue la ópera La Dolores de Tomás Bretón (con Plácido Domingo, Antoni Ros-Marbà y la Orquesta Sinfónica de Barcelona y Nacional de Cataluña), es destacable la calidad interpretativa del repertorio mexicano grabado en este álbum, personalmente considero los registros de la Sinfonía de Jiménez Mabarak y Bosques de Moncayo como sus mejores versiones disponibles en disco, espero lo disfruten, meine kameraden, auf wiedersehen.

Armando Lavalle (1924-1994)
Obertura Colonial (1954)

Mario Kuri-Aldana (1931-2013)
Canto Latinoamericano (1977)

Gerardo Durán (n.1954)
Nepantla (1979)

Carlos Jiménez Mabarak (1916-1994)
Sinfonía (No. 2) en un Movimiento (1962)

Luis Sandi (1905-1996)
Tema y Variaciones (1944)

José Pablo Moncayo (1912-1958)
"Bosques" (1954)

Director: Eduardo Diazmuñoz
Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México
260 MB
EAC:FLAC+Cue+Log & Covers

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lunes, 27 de marzo de 2017

RE:Revueltas, Orbón & Ginastera


"Redes" tiene un gran valor autónomo, independiente de la película. En general, la música cinematográfica de Revueltas, compuesta por imperativos económicos, es muy inferior a su música de concierto, pero "Redes" es la excepción. Como música incidental, funciona porque complementa perfectamente las imágenes de la película de Zinnemann, y ayuda dramáticamente. Pero igual que sucede con la cantata Alexander Nevsky,  extraída por Prokofiev de la música para la cinta de Einsenstein, lo que es interesante en "Redes" son sus valores musicales intrínsecos, evidentes a la luz de la suite que conocemos ahora. Creo, además, que en "Redes" la presencia de Stravinsky es tanto o más fuerte que en el resto de la producción de Revueltas.

Eduardo Mata

"Sensemayá" es la obra de un multifacético compositor con una técnica muy avanzada que se enfrenta al concepto del primitivismo salvaje. Toda esta violencia y barbarie se escuchan en los ritmos silvestres, en los bramidos y gritos de la orquesta, pero controlados por la mano de un auténtico artista.

Leonard Bernstein

Silvestre Revueltas (1899-1940)
"Redes" (1935, Suite de Erich Kleiber 1943)

Julián Orbón (1925-1991)
Concierto "Grosso" para Cuarteto de Cuerdas y Orquesta (1958)

Silvestre Revueltas
"Sensemayá" Poema Sinfónico (1937-38rev.)

Alberto Ginastera (1916-1983)
Pampeana No. 3 (Pastoral Sinfónica) para Orquesta Op. 24 (1954-67rev.)

Cuarteto Latinoamericano
Director: Eduardo Mata
Simón Bolívar Symphony Orchestra of Venezuela
294 MB
EAC:FLAC+Cue+Log & Covers

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sábado, 25 de marzo de 2017

Granados: Orchestermusik


A través de las Eras las circunstancias han determinado a las grandes personalidades del género humano, aquellas personas que solidifican con sus actos y creaciones un ascenso de la cultura por el bien común, y es en la memoria de la gente erudita en quienes recae la obligación de no olvidar los nombres de cuyas obras sellan un vínculo entre lo mundano y efímero con lo celeste e imperecedero; ejemplos de ello se encuentran en variados momentos de la Historia del Arte y dentro de las joyas que la Literatura posee, la Divina Comedia y su autor Dante Alighieri ocupan un sitio en la eternidad porque su influencia quiebra las barreras del tiempo, porque dota de Inspiración a numerosos artistas sin importar época, lugar o condición social y porque es -a mi entender- la más interesante y entretenida lectura de fe religiosa, filosófica y moral escrita en Occidente.

Entre los compositores, la Divina Comedia encontró su más fuerte influjo en el Romanticismo, de los más sobresalientes y exitosos casos se puede mencionar a Liszt con su Fantasia quasi Sonata después de la lectura de Dante (para Piano) y su Sinfonía Dante (para Orquesta y Coro Femenino), ambas obras abordan deliberadamente el poema de manera abrasiva aunque su narrativa prioriza más a la construcción musical que la textual, por su parte, Tchaikovsky (en su Fantasía Sinfónica Op. 32) y Rachmaninov (en su Ópera Op. 25) se basaron en un punto especifico del 'Infierno', en el Canto V se relata la desdichada historia de Francesca da Rímini, una bella y noble italiana que vivió infelizmente tras contraer en contra de su voluntad nupcias con un hombre colérico llamado Gianciotto Malatesta, la discordia aumentó cuando ella se vio atraída y seducida por el hermano menor de su esposo, Paolo, pues poseía un temperamento tierno y una fina sensibilidad artística, las ideas, gustos y anhelos les unían ardientemente, sus encuentros cada vez más frecuentes se tornaron en suspiros de vida y cuando llegó su primer beso, el éxtasis amoroso había desenfrenado la lujuria, eran amantes, su destino, pagar su pasión con la muerte.

Perteneciendo a la generación de compositores que habrían de consolidar la escuela española, Enrique Granados también fue un espíritu romántico atraído por las obras del poeta italiano, como músico gozó de destreza y agilidad para la interpretación y una erudición inagotable para la creación musical, si bien sus obras para orquesta representan apenas una pequeña fracción dentro de toda su producción, el poema sinfónico Dante (la más ambiciosa composición de su autor) denota toda su maestría en el manejo de la gama orquestal y la finura de su pensamiento musical, el estilo de la pieza es post-wagneriano por el manejo excesivo de armonías cromáticas y arrebatados cambios de carácter, esta obra tuvo su primera audición en un concierto privado en el Palacio de la Música Catalana en Junio de 1908, dos años después el compositor revisó la partitura para su primera presentación pública en Barcelona pero no quedó del todo satisfecho con ella, la obra tendría que pasar por una última y minuciosa revisión previo a su estreno definitivo, llevado acabo el 25 de Mayo de 1915 por la Orquesta Sinfónica de Madrid dirigida por Enrique Fernández Arbós.

Enrique Granados (1867-1916)
"Dante" Poema Sinfónico Op. 21 (1907/08-15rev.)**
Cinco Piezas sobre Cantos Populares Españoles (189? Orq. de Anselm Ferrer 19??)
Intermezzo & "La Maja y el Ruiseñor" de la Ópera "Goyescas" (1915/16)*

Soprano: Frances Lucey*
Mezzo: Nancy Fabiola Herrera**
Director: Adrian Leaper
Orquesta Filarmónica de Gran Canaria
259 MB
EAC:FLAC+Cue+Log & Covers

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Este año se conmemora el 150° Aniversario del nacimiento de Enrique Granados, que sirva esta entrada para celebrar su año.

martes, 14 de marzo de 2017

RE:Falla, Albéniz, Turina


Dispensad amigos y seguidores del blog por este breve silencio que se ha suscitado sin previo aviso, en estas últimas semanas distintos factores me han mantenido un poco alejado de mis hobbies (escuchar música, escribir y demás cosas) pero haciendo un poco de espacio en mi usanza, es hora de volver a la normalidad con las reseñas.

Hoy nos encontramos ante un benevolente álbum donde el rey de los instrumentos, el Piano, hace gala de toda su grandilocuencia expresiva y virtuosa a través de tres obras de retórica concertante compuestas por una triada de los más renombrados maestros españoles de todos los tiempos, la primera de ellas pertenece a Manuel de Falla, y son y nada menos que las Noches del maestro andaluz las que con intrínseco temperamento español y pinceladas impresionistas, abren tan exquisito programa, esta obra en sus inicios fue concebida como una serie de nocturnos para Piano solo en 1907 mientras el compositor aún vivía en París, dos años más tarde empezarían a brotar de su pluma las primeras notas de este proyecto pero gracias a la sugerencia de su amigo y pianista, Ricardo Viñes (a quien posteriormente el autor dedicaría la obra), la concepción de la obra cambió en su formato y fue completada -tras varias años de paciencia y entrega- en la lujosa villa del pintor Santiago Rusiñol en el pueblo costero de Sitges en 1915 (de hecho no es descabellado pensar que el nombre de la obra fuera sugestionado por los cuadros de su amigo, pues se dice que habían más de 30 lienzos colgados en su casa y todos ellos sobre distintos jardines), su estreno se realizó el 9 de abril de 1916 con la participación de José Cubiles en el papel del piano solista y por la Orquesta Sinfónica de Madrid bajo la dirección de Enrique Fernández Arbós.

Contrario al caso de las Noches de Falla, la Rapsodia de Albéniz (concluida a finales de 1886) tuvo desde sus inicios la plena intención de querer ser una obra para Piano y Orquesta, pero debido -quizás- a las dificultades que tenía el autor para orquestar sus obras, el estreno (bastante exitoso, según las reseñas locales) se realizó el 21 de marzo de 1887 en Madrid con una versión -arreglada por el mismo compositor- para piano solo, poco tiempo después, no tardó mucho para que fuese publicada la versión para dos pianos (entiéndase en este punto que el segundo piano sería la parte orquestal) donde era claro cuales eran las verdaderas intenciones, si bien, Albéniz llegó a realizar su propia orquestación, nunca confió demasiado en ella, inclusive llegó a pedir sugerencias a su amigo Tomás Bretón (quien era un brillante orquestador) para este asunto, al final no cambio mucho de parecer. En 1911, el compositor rumano-francés George Enescu realizó una orquestación más acertada aunque no muy apegada a las intenciones de la original, en la grabación del presente álbum se incluye la versión hecha por Cristóbal Halffter a principios de los 60', sin duda, con esta orquestación la obra alcanzó su estado más depurado.

Y para finalizar, la Rapsodia compuesta por Turina entre Junio y Julio de 1931, también es un caso en el cual las intenciones originales se vieron modificadas por alguna extraña razón, esta en su planteación primera iba a ser una Sinfonía Concertante con orquesta completa, pero sobre el rápido transcurso con el cual el autor la realizó, optó por el acompañamiento de una orquesta de cuerdas, de todas formas, el resultado final fue una obra brillante en su sonoridad y elegante y virtuosa para el solista, su estreno se llevó acabo el 2 de mayo de 1934 con Antonio Lucas Moreno en el piano y la Orquesta Clásica de Madrid dirigida por José María Franco.

Manuel de Falla (1876-1946)
"Noches en los Jardines de España" Impresiones Sinfónicas para Piano y Orquesta (1909/15)

Isaac Albéniz (1860-1909)
Rapsodia Española Op. 70 (1886, Versión para Piano y Orquesta de Cristóbal Halffter 1960)

Joaquín Turina (1882-1949)
Rapsodia Sinfónica para Piano y Orquesta de Cuerdas Op. 66 (1931)

Piano: Alicia de Larrocha
Director: Rafael Frühbeck de Burgos
London Philharmonic Orchestra
217 MB
EAC:FLAC+Cue+Log & Covers

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